E così dolce il suon della sua voce... View RSS

Mi último más bello sueño 15 Oct 2024 7:11 AM (6 months ago)

Zaragoza en las fiestas del Pilar es vivir en plena ebullición en unas calles rebosantes de gentes vestidas con sus trajes regionales y sonando jotas por todos los rincones. Alegría, devoción, pasión, flores, ofrendas y sobre todo, ver millares de gente en procesión dirigiéndose hacia la basílica del Pilar, no tiene absoluto desperdicio.

Como tampoco lo tiene el colofón de estas fiestas de 2024, en la que uno de sus platos fuertes era el regreso al Auditorio Princesa Leonor del más grande intérprete que haya dado el mundo de la música, claro está que me estoy refiriendo ni más ni menos que al inigualable PLÁCIDO DOMINGO.

A estas alturas de su carrera y de mí vida, no voy a descubrirle ni voy a presentarme. Aquellos a quien quiero, saben cómo vivo y siento cada una de las funciones del Maestro, y el Maestro también sabe ahora y de primera mano cómo las siento y las vivo, pues fue testimonio directo de mi entrega total y sin reservas a su arte.

Una entrega intensa y pasional, llena de pulso y de alegría y además, con la tremenda ilusión cual si fuera una principiante que asiste por primera vez a un concierto suyo.  Plena satisfacción, pues esa entrega y alegría, y esas ganas es lo mismo a su friolera de 83 años aún me sigue brindando y ofreciendo. Verle y escucharle en directo es siempre una experiencia única y mágica, y siempre nueva, siempre hay algo con lo que Plácido te sorprende, algo que, aunque tengas todo planeado, con el gran Domingo tienes que dar margen a la improvisación, porque el improvisar es algo connatural en él.

Auditorio lleno hasta la bandera

No sé dónde había más gente el domingo por la tarde, si en el Auditorio Princesa Leonor o en las calles culminando la ofrenda de frutos a la Virgen de Pilar. Zaragoza se vestía de gala para clausurar la presente edición de las fiestas con un concierto de absoluto lujo y de gran calibre. PLÁCIDO DOMINGO no cantaba en Zaragoza desde 2018. Su última actuación allí era la segunda de un ciclo de conciertos dedicados a la zarzuela que había iniciado justo dos días antes en el Liceu y al que tuve la enorme suerte y privilegio de poder asistir, una de aquellas tardes imborrables en mi memoria.

En esta ocasión el concierto era una gala de ópera y zarzuela, y en la que contó con el acompañamiento a la batuta del maestro MARCO BOEMI y que estuvo al frente de la ORQUESTA CLÁSICA SANTA CECILIA.

Quiero destacar varias cosas de este director, al que acabé disfrutando muchísimo durante todo el concierto. Tengo que confesar que cuando empezó la Obertura de “I vespri siciliani” de Verdi me dije que algo iba a marcar enormemente diferencias entre otras interpretaciones que había escuchado de esta gran, grande, grandísima y colosal música. Inicio lento y con una percusión muy concentrada, muy solemne que precedieron al inicio de la furia verdiana con todo el metal a pleno pulmón para dar rienda suelta a la cuerda que entona una melodía de ensueño y acaba culminando con un delirio de violines y metal que te dejan completamente extasiado.

Sí, marcó diferencia con ello y porque en ningún momento de la actuación cogió la batuta, detalle que me pareció curioso.

En segundo lugar me gustó mucho la complicidad del director con los cantantes, sobre todo con Plácido Domingo. Atento, al servicio de la música, de la voz y del artista, entendiendo perfectamente aquello de que el director y la orquesta acompañan, no al revés, huyendo siempre del protagonismo absoluto para cederlo a los cantantes.

Pero si hay algo que quiero destacar es lo feliz que fue durante todo el evento, siempre con una sonrisa en la boca, disfrutando, cantando con Plácido y con Mónica, fijándose en sus gestos, atendiendo sus necesidades. Y todo ello sin olvidarse que al frente tenía una orquesta a la que dirigir. A MARCO BOEMI no tenía el placer de conocerle y fue un total descubrimiento.

Su dirección fue clásica, sin complicaciones ni grandes matices, pero a mi gusto fue buena, con un tempo correcto y un sonido bien calibrado que en ningún momento sobrepasó a los cantantes.

De las cuatro piezas orquestales, la citada de “I vespri siciliani”, el Intermedio de “Las bodas de Luis Alonso” y el Intermedio de “La leyenda del beso”, fue precisamente esta última dónde alcanzó el punto de máximo interés, no logrando lo mismo con el bello Intermezzo de “Manon Lescaut” al que le eché de menos esa intensidad que requiere Puccini y que solo hoy en día dos directores son capaces de dar, claro está estos son Antonio Pappano y Marco Armiliato.

È in sol baccio, e abraccio tutte le genti, amar

Creo que no hay mejor pieza para empezar un concierto que ese tan fantástico “Nemico della patria” de la “Andréa Chénier” de Giordano.

Y es que antes de ver aquel cabello cano y abundante que tanto me gusta, antes de que pudiera ver su frente despejada con alguna arruga por el paso inclemente de los años, antes de ver aquella gran presencia en el escenario, ya había escuchado los primeros aplausos y estaba ansiosa por verle aparecer. No se hicieron esperar los bravos ni la gente puesta en pie rindiendo su más sentido tributo al Maestro PLÁCIDO DOMINGO. Y fue cuando sin pensarlo, me puse de pie a aplaudir a aquel que con tan solo 10 años en mi haber cambió por completo mi vida de la noche a la mañana poniéndola del revés como un calcetín.

Un Nemico bien entonado, bien fraseado convierten a esta gran aria de barítono, que por años quedó ensombrecida por la popularidad de la “Mamma morta” o del “Improvviso”, en un completo talismán, una gran aria verista al que un artista mayúsculo como es Domingo, aprovechó para meterse de lleno ya a todo el público del auditorio nada más empezar.

Y es que teniendo en cuenta sus años, y no me voy a cansar de repetir que son 83, nos da lo que aún le sale del corazón, lo que tiene, sin reservas porque continúa siendo un cantante tremendamente generoso. Con todo ello, puedo decir que aunque el instrumento está gastado por el paso inexorable del tiempo, conserva aún una muy buena saludo vocal, yo diría que envidiable, y su timbre, aquel color chocolate con leche que tanto me gusta continúa estando allí. Abre la boca, emite dos notas y dices, sí, indudablemente este es PLÁCIDO DOMINGO.

Y en este tipo de arias Domingo sabe lo que da y lo que provoca en el público cuando la volada más melódica de ese Nemicco llega a la parte de “La belleza del cuor ridestar delle gente, racogliere le lagrime dei vinti, e i sofferenti, ¡fare del mondo un Pantheon! gli uomini in dei mutare e in un sol bacio e abbraccio tutte le genti amar! Sabe almenos lo que me hizo sentir a mi.

Se presentaba junto a él la soprano de origen cubano estadounidense MÓNICA CONESA que, casualidades de la vida, había sido prefinalista en la última edición del concurso de Operalia de este año celebrado recientemente en Mumbai.

De figura espectacular, y amanerado gesto excesivamente teatralizado y arcaico, es una voz fresca y joven, a la que, en una primera escucha, seamos sinceros, en una breve escucha, crees que estás ante una voz interesante, con color más bien oscuro y centro-grave poderoso, y agudo a veces un tanto excesivo y estridente. Sin embargo, esa voz adolece a mi gusto de un engolamiento terrible y fácilmente audible. La voz en el centro-grave se le queda atrás en la nuca, afeando sonido en una voz que ya de por si no tiene un timbre homogéneo y que según en que notas parece imitar el color de la Callas, que tampoco tenía esa homogeneidad, pero la Callas era la Callas. Punto final.

Escogió para la primera parte dos piezas del repertorio pucciniano, melódicas, pero para nada fáciles. Un “Vissi d´arte” de la “Tosca” al que le faltó emoción e interpretación, le faltó creerse el texto y sentir la música tan maravillosa que sale de la inspiración del de Lucca.

Poca cosa aportó a la genial aria del segundo acto de la Butterfly “Un vel dì vedremo” al que optó por entonar el “sull´estremo, confin del mare” de la forma tradicional cometiendo el gran pecado mortal de ir corta de fiato, rompiendo el legato de la frase afeando y quebrantando la expresividad del momento cuando respiró justo después de su “confin”. Y es que ya había empezado la pieza un poco antes en lugar de atacar directamente ese dificilísimo “Un” de la partitura pucciniana.

Bien la orquesta al mando de MARCO BOEMI. Estaba esperando que resonara la percusión en el “romba” y sonó, pero siempre lo he dicho, si una intérprete no te provoca un escalofrío con esta aria, entonces es que no es la voz adecuada para cantar Puccini. Ni Puccini ni nada. O, casi nada.

“Macbeth” de Verdi se ha convertido en estos últimos años en uno de los caballos de batalla de PLACIDO DOMINGO. Su voz actual de tenor con tintes de barítono hace que puedas escuchar a un Macbetto de timbre más broncíneo y para nada oscuro que hacen más agradable y plausible al personaje.

Si bien es cierto que a estas alturas Plácido necesita las letras cerca, y a pesar de algunos desajustes en las entradas, le escuchas y lo primero que te sorprende al oír ese torrente de voz en directo y sin micro es, con su edad, ¿de dónde saca esa voz? Su cara canta relajada cosa que le permite no afear sus ataques de las notas con movimientos y espasmos innecesarios de los músculos de la cara. Cubre notas, claro que las cubre, y no decirlo ni reconocerlo no sería justo. Pero, aun así, sigue transmitiendo con su arte, con su voz y con su entrega. Y eso le permite marcar la gran diferencia, aún, con los cantantes actuales. Y no se trata de una fina raya que se difumina, no, es claramente una de continua y gruesa que dice aún prohibido el adelantamiento.

Culminó la primera parte con el gran dueto de “Il trovatore” de Verdi “Udiste… Mira d´acerbe lagrime”, otra de las piezas que vienen formando parte de su repertorio habitual y que ahora mismo al gran Domingo le van como anillo al dedo. Quien sepa de ópera y quien conozca de “Il trovatore” e incluso aquél viajero que no sepa ni de la primera y no conozca a la segunda pero que, peregrine a Zaragoza sabrá que, a tan solo unos quilómetros del Auditorio se alza el majestuoso y bien conservado Palacio de la Aljafería, sede actual del Gobierno de Aragón, en cuyas murallas, precisamente en la llamada Torre del Homenaje, más bien conocida como Torre del Trovador, transcurre este último acto de la ópera verdiana al que pertenece este genial dueto al que, un ducho Domingo rebosante de experiencia y sabiduría dotó de gran solemnidad en una pieza que de por si levanta pasiones sobre todo en la parte final del dueto, donde se desata todo el genio de Verdi. Su saber estar, su faz expresiva – de enfado al principio que se torna esperanzada ante la posibilidad de poseer a la mujer que tanto desea- junto con una línea de canto acurada y ajustada, hacen que artista y público entren en una comunión difícil de explicar y sentir, al menos que estés allí viviendo y cantando cada una de las frases del Comte di Luna.

Una vez más la soprano MÓNICA CONESA destacó en volumen, pero su canto fue para mí totalmente inexpresivo y excesivamente engolado y al que vinieron absolutamente grandes y pesadas las coloraturas de la cabaletta final con la que culmina un dueto en la que la voz de Domingo se impuso invadiendo el escenario y arrancando unos fervorosos aplausos de un público deseoso de una segunda parte dedicada a la zarzuela.

Delirante segunda parte

Allí donde esté PLÁCIDO DOMINGO no puede faltar un sentido homenaje a la zarzuela, la música con la que creció, la misma que hizo que yo hoy ame la ópera de la manera que la amo. Domingo se siente cómodo con ella, a la par que canta en su lengua, y eso, le facilita mucho la retención  de unas letras simples pero que a sus años, a veces, embrollan su mente.

Poca gente es capaz de en un concierto tener en mente y de forma clara las letras como las tenía yo, tanto de la parte de ópera como de la parte de la zarzuela, no en vano llevo pues toda una vida nutriéndome de ellas. Junto con el Maestro, respirando con él, canté primera y segunda parte.

Su primera intervención fue con su sensacional “Ya mis horas felices” de “La del soto del Parral” de Soutullo y Vert, romanza de la que, junto con “No puede ser”, Plácido Domingo ha convertido en todo un clásico. Y es que no es una romanza para demostrar facultades canoras, sino que es para revelar al público que se sabe cantar, y de eso, créanme que el Maestro, sabe un pozo.

Fue después de una muy buena ejecución del Intermedio de “Las bodas de Luis Alonso”, Plácido Domingo abrió con fuerza esta segunda parte claramente de tintes españoles para deleitar a todos aquellos que amamos el género.

Siguió también la “Petenera” de “La marchenera” de Moreno-Torroba a cargo de MÓNICA CONESA con la cual obtuvo muchos bravos. Demasiados para una ejecución sin brillo y pobre de espíritu a la que supo rellenar y maquillar con un disfraz infalible: una espectacular figura, una gestualidad recargada y un agudo final totalmente innecesario que provocó y encendió unos inflamados bravos por parte del público. Un recurso manido de aquellos que saben que jamás van a ser lo que quieren llegar a ser y se ganan las primeras filas de platea a base de truco y mímica.

“Mi aldea” de “Los gavilanes” en la voz de PLÁCIDO DOMINGO volvió a deleitar nuestros oídos, una romanza que me encanta por su música, por el especial apego familiar y sentimental que le tengo, pues mí abuelo que fue el artífice de mí amor por la zarzuela y posteriormente por la ópera y siempre está presente cuando la escucho, pero, también por la letra que le cae como un guante a Plácido cuando entona el “no importa que el mozo fuerte vuelva viejo, si alegre el corazón salta en mi pecho”. Quién ha visto y escuchado al Plácido de antaño añora lo que ha sido a pesar de que acepta y ama lo que ahora es, pero, cada vez que oigo pronunciarle estas palabras, en cierto modo es como si él en aquellos momentos estuviera pensando precisamente esto. Su bella voz de timbre intacto arrolló el auditorio y aquel Plácido mozo regresó mayor y más sabio para brindarnos su penúltima pieza en solitario de esta segunda parte oficial.

Siguió a “Los gavilanes” el Intermedio de “La leyenda del beso” que para mi fue sin lugar a dudas la mejor ejecución orquestal de la tarde, al único dueto de zarzuela del programa oficial. “El gato montés” y su “Me llamabas Rafaelillo” al que a Plácido le gusta, y lo canta con placer y ganas permitiéndole sacar su alma fallida de torero al cantarse aquello que todo el mundo sabe y que en alguna vez de su vida ha cantado como es el famoso pasodoble de esta ópera del maestro Penella, “Torero quiero ser”. Hubo por su parte un desajuste en una entrada que solventó con inteligencia y acelerando el ritmo como solo aquellos grandes saben hacer cuando se han metido la pata sin que la mayoría del público que llena recintos se de cuenta porque ni se fijan en estas cosas. Y qué volada melódica y qué bien cantado aquello que consigue arrancarme una sonrisa y hace que un escalofrío recorra mi cuero y que solo él es capaz de hacerme sentir eso con su “Qué graciosa es mi gitana… qué preciosa… qué bonita…”

Y de Penella pasamos al gran Barbieri y “La canción de Paloma” de “El barberillo de Lavapiés” en una interpretación de MÓNICA CONESA que no me gustó ni en la voz, ni en el gesto queriendo imitar el vuelo de una paloma, exagerado y rococó y nada refinado, en una romanza que requiere más de picardía que de pasarse de ademán. Lo más bonito y logrado de su exagerada teatralidad fue cuando entona la segunda estrofa “Como está mi ventana cerca del cielo…”  en la que apoyada en la barandilla del atril del director cual si fuera un ventanal, empieza a cantar mientras la complicidad de un entregado MARCO BOEMI como si fuera un espectador único marcó un momento simpático y original. Me gustó. Sobraron sus vueltas, su vuelo y su voz que quedaba en la parte de atrás de la nuca.

Y allí donde esté PLÁCIDO DOMINGO no puede faltar su gran “No puede ser” de “La tabernera del puerto”. Emocionante, con un texto tan bien fraseado y una interpretación tan sentida y antológica que es inevitable que, la que suscribe, y con mi personal historia con el “No puede ser” no acabara levantada de la silla lanzándole un bravo colosal. Pero, ¡qué grande que es, Maestro!

Y de nuevo el Auditorio literalmente a los pies del intérprete.

Tres, solo tres

Quién asiste a los conciertos de Plácido Domingo sabe de antemano que el programa no finaliza donde oficialmente la gente cree que tiene que culminar, porque Domingo, continúa siendo un artista entregado, generoso y agradecido. Y eso, en el capítulo de las propinas es dónde queda perfectamente demostrado.

Sin embargo, y tratándose del final de las fiestas del Pilar pensé que habrían un poco más de bises. Pero no, solo tres. Y después del concierto entendí el por qué, pues había después una recepción oficial con autoridades y un encuentro con sus admiradores, e imagino, que tampoco era para demorar más ese momento. Ni para los artistas, ni para las autoridades, ni para los ansiosos admiradores venidos de todas partes principalmente de Alemania y Austria, junto con una minoría de españoles, ni tampoco para el personal del Auditorio que aguantó estoicamente hasta muy pasadas las 11 y media de la noche o quizás más.

Fue “La morena de mi copla” el primero de los bises en sonar, una pieza que ha convertido en una de las más esperadas en sus conciertos, por sus aires de copla populares, de melodía sencilla y a compás de pasodoble todo muy, muy español, con la que una vez más Domingo hace estallar unos estruendosos aplausos, la gente en pie entregada a lo que acababa de escuchar y de tararear, y me di cuenta que no era la única que se arrancó con la Copla.

Los dos finales

La gran entrada de Cecilia Valdés de la zarzuela cubana del Maestro Roig fue la pieza escogida por MÓNICA CONESA, una romanza que está debiendo popular y que tiene una melodía muy bonita y ritmos cubanos sabrosones que invitan al baile de la intérprete y del público que, después de dos horas, el cuerpo ya le pide fiesta. La he escuchado mejor cantada, e insisto, a pesar de que convida a mover caderas, si quieres hacer un espectáculo de baile, eso al Molino o a Pasapoga, no en ese lugar.

Arrancó lógicamente unos estruendosos bravos sobre todo por parte del público masculino. Pero eso es ir a lo fácil. Lo siento, pero, valga la redundancia, lo siento así.

El último de los bises fue precedido de una explicación emanada de los labios del propio Domingo. Nos entonó a capella ese “Por fin te miro, Ebro famoso” de la zarzuela “Gigantes y Cabezudos” que además le hubiera gustado cantar de haber allí coro, pero no fue posible. Alguien gritó desde el público “La jota de la Dolores”, pero estaba claro que eso Domingo no lo cantaría, así es que, apostó por el dueto de “El dúo de la Africana” por eso de que en su letra dice… “Ay baturro fogoso, nacido muy cerca del Ebro famoso…” en el que nuevamente la experiencia y el saber estar aplastó a la inexperiencia y juventud.

Lo que no podía pensar era que allí finalizaba todo. Ni un solo bis más. Ni aquel “Los de Aragón” en su romanza “Cuántas veces solo” que se cantó en 2018, ni cualquier otra mención a la verde llanura aragonesa que el Ebro riega a su paso.

Nada. Y partitura en mano, Plácido abandonó el escenario dejando atrás dos horas de música que transcurrieron en un suspiro.

La anécdota de la tarde

Encima del escenario he visto a Plácido luchar con los micros, con las partituras, con el tremendo oleaje de una orquesta pasada de decibelios… pero hasta el día de ayer no le había visto tan pendiente del molesto atril que sostenía su carpesano con las letras. Para adelante, para abajo para que no le tapara la cara, sorteándolo en sus entradas porque lo dejaron tan cerca del de Mónica Conesa que Plácido no pasaba por el medio. En fin, fue una sucesión de entradas y salidas en las que ibas diciendo, vamos a ver que no tropiece con esto o con lo otro. Y digo yo, pero ¿para qué sirven los ensayos? ¿Es que nadie es capaz de poner un atril bien, con la separación necesaria y a la altura pertinente para que no tape a los intérpretes? Ya no recordamos los tiempos de pandemia en que teníamos que guardar… ¿cuánta distancia de seguridad entre las personas…? Ni lo recuerdo. Y si yo no lo recuerdo, está claro que, en los teatros, tampoco. Y así van las cosas.

Combate final: Kaufmann vs. Alagna, Alagna vs. Kaufmann 22 Sep 2024 2:52 AM (7 months ago)

Con pocos días de diferencia, han salido publicados los dos últimos álbumes de los tenores JONAS KAUFMANN y ROBERTO ALAGNA. El orden de nombres no responde a la calidad de los intérpretes, ni por supuesto, a las preferencias personales de la que suscribe, sino al simple orden de salida de sendos trabajos al mercado.

No podía faltar en el año en que se conmemora el centenario de la muerte de Puccini un homenaje dedicado al compositor de Luca. Esta es la fuerte apuesta del alemán Jonas Kaufmann; mientras que, alguien que llega a la madurez vocal y vital, como el caso de Roberto Alagna, tampoco puede dejar de congratular sus 60 años personales y los 40 de profesión. Por tanto, ambos cantantes pugnan una vez más en su carrera por la lucha de una hegemonía en los teatros y en los mercados que hace años empezaron en una época – y ya dura demasiado- en que las buenas voces de tenor, la de los grandes artistas que emocionan con su canto, escasean, y de qué manera.

Va de pulsos, pues. De dos “rounds”. Combate a muerte, si se me permite.

Primer puñetazo

JONAS KAUFMANN, cuyo disco salió antes, apuesta por un título muy sugerente y con una portada atractiva bañada de colores azulones y púrpura que sugieren poderío cesariano, y en el centro, junto al tenor, la cara de Giacomo Puccini. El pasado, tan presente en nuestros días, en azul, y el presente que añora el pasado, a todo color.

En cuanto al título “Puccini Love affaires” (“Puccini asuntos de amor”) nos da una pista de por dónde irá el disco. Sin duda, nadie, absolutamente nadie como Puccini ha tratado el amor como él. Desde la inocencia más sutil de una Butterfly pasando por el lirismo poético de Rodolfo hasta la más absoluta desbordada pasión de un Luiggi o un Des Grieux. El gran mago del amor y del sentimiento, Giacomo Puccini, es suficiente atractivo como para no dejar pasar la oportunidad de escuchar esta propuesta que nos brinda el tenor alemán.

Hasta aquí hay elementos suficientes que invitan al oyente apasionado de Puccini a emocionarse con este álbum, y el repertorio, valga la redundancia, invita a su vez a que así sea.

Otra cosa es el efecto y resultado que produce.

Acompañado por varias sopranos actuales, Jonas Kaufmann apuesta por papeles que nunca ha cantado en vivo y otros que forman parte de su repertorio habitual cuando no cancela, valga a decir.

Personajes que 10 años antes eran abordados y aprobados con nota ahora se convierten en molinos de viento cual Quijote luchando para que no se vuelvan en su contra. Pero vamos por partes porque en este disco, y muy a mi pesar, no funciona absolutamente nada.

Empezando por un sonido deficiente, una Orquesta, la del Teatro Comunale de Bologna bajo la batuta de ASHER FISCH imprimen un Puccini soporífero vacío de matices al que no sabe en ningún momento sacarle el cariz necesario para que el oyente se emocione con la magistral orquestación del compositor italiano. No hay crescendos, no hay pasión, no hay una lectura profunda de lo que es interpretar Puccini. Cuán de menos se echa en falta a las dos grandes batutas que, hoy en día, hacen brillar este tipo de repertorio. Y me estoy refiriendo al grandísimo Antonio Pappano y a Marco Armiliato. Invito a todo aquél a que no conozca sus obras que hagan incursión en sus lecturas de las partituras puccinianas, absolutamente magistrales.

Y no funciona tampoco Jonas Kaufmann, que en su primera incursión en el dueto de “O soave fanciulla” de “La bohème” suena como afónico, velado y raro al lado de la bella voz de PRETTY YENDE que firma una muy buena Mimí y que concluye con un neto agudo secundado por un “Amor, amor” de Kaufmann a caballo entre un pianissimo y un falsetone, que no acabo de adivinar el por qué se saca eso de la manga cuando el instrumento sube – o debería subir – con facilidad al agudo, no escrito, pero por tradición siempre cantado y esperado.

Y la cosa se desinfla en el dueto que sigue, uno de mis preferidos, el “Tu, tu, amore tu” de la “Manon Lescaut”. Una pareja, aparentemente de lujo, junto a Kaufmann la que dicen, la gran diva del momento, la rusa ANNA NETREBKO. Pero lo cierto es que, de todas las incursiones de este disco, esta es y con diferencia abismal, una de las menos acertadas, para no decir la peor, que es una palabra muy grande.

Las voces no pegan, ni con pegamento como popularmente se dice, y el dúo construido sobre una embriaguez total musical en la que Puccini despliega todas su mejores armas como el sentimiento al límite de sus fuerzas, el desprecio, la rendición, el éxtasis total y la desenfrenada pasión de los amantes, no funciona. Ni por una parte ni por la otra, con algún lapsus de dicción por parte de Netrebko y algún desajuste vocal de ambos.

Da la sensación de haber sido grabado con prisas, sin haber sido repasado, sin la meticulosidad del que busca emocionar a través de la espontaneidad que parece fácil, pero tras la que hay un cuidado trabajo y una depurada técnica y conocimiento del repertorio.

La irrupción de la “Tosca” en este disco abre un paréntesis a las dos anteriores piezas. En principio, Cavaradossi es un personaje que frente a Rodolfo y Des Grieux, sobre el papel, es más adecuado para la vocalidad de Kaufmann. Lejos está de firmar un gran Cavaradossi como los que proponía hace 10 años, y afea su línea de canto y dicción con estas constantes uves aspiradas como efes tan alemanas que te llevan al hastío en todo el disco. Nada aporta tampoco la Tosca de SONYA YONCHEVA que roza un tanto el grito y, ambos consiguen no expresar nada, en un dueto que dice mucho. La volada melódica de “Qual occhio al mondo, può star di paro, all´ardente occhio, tu nero” extrañamente ralentizada respecto del resto del dueto,  no consigue emocionarme. Está simplemente cantado, pero no interpretado. Magna diferencia entre ambos verbos en participio masculino singular.

Con “La fanciulla del west” llega la primera gran incursión del disco por parte de Jonas Kaufmann que, a diferencia de otras grabaciones, propone el casi nunca cantando dueto del final del primer acto “Mister Jonhson siete rimastro indietro”. Este es un dueto largo, precioso, con altos momentos de tensión, de pasión y de lirismo. Junto a él, una para mi desconocida MALY BYSTRÖM, poseedora de una voz extraña, no especialmente bella, pero más que adecuada para solventar con descarada solvencia y facilidad una agudísima partitura que Puccini escribió para el personaje central de esta ópera, Minnie, la chica del oeste que regenta La Polca. Aquí las voces se funden bien, y consiguen sacar su máximo momento expresivo, aunque a Kaufmann se le echa de menos la pasión de coetáneos suyos cuando ataca ese “Ah non temere, nessuno ardirà…. Come mi piace sentirvi parlare così….”, así como una voz un tanto más dulce en su “Quello que tacete, me lo ha detto il cor, quando il braccio v´offersi allá danza con me…”, pero aún así su timbre oscuro y de cuerpo pesado, lo hacen ideal para encarnar este gran role pucciniano, el bandido que acaba redimiéndose ante la inocencia de una Minnie por primera vez enamorada.

Y Jonas coge empuje y se centra a partir de este dueto, porque lo que viene a continuación, es, para mi sin lugar a dudas lo mejorcito del disco, el gran dueto de “Il Tabarro”, por otra parte, muy olvidado y poco prodigado a pesar de que tiene una melodía, tensión, y pulso dramático sin precedentes.

Si alguien no conoce a estas alturas a ASMIK GRIGORIAN les invito personalmente a que escuchen esta voz, bonita, bien timbrada y de una expresividad de absoluto descaro que hacen que el verismo cobre vida, que creas que realmente no están cantando sino hablando. Su fraseo es de absoluta matrícula de honor, y el recurso expresivo del cual hace gala a cada una de sus respiraciones, hace que sientas realmente viva al personaje de Giorgetta, un personaje lleno de vida y luz, apagado sin embargo por una vida errante al lado de un hombre mayor a quién no ama y con quién no conoce la pasión.

A pesar de que a Kaufmann le falta ese sello latino que tanto ayuda en estos personajes de calado dramático,  consigue firmar un buen Luiggi, aunque echo en falta la pasión desbordada del amante en su “E bacci senza fine” on en el tramo final “Io te lo giuro, lo giuro non tremo, a vibrare il coltello, e con gocce di sangue frabicarti un gioiello”.

Cierra el recital de dúos, y como no podría ser de otra manera el “Viene la será” de la “Madama Butterfly” junto a la soprano MARIA AGRESTA que nos brinda unos detalles expresivos al principio de auténtico manual. Para muestra, fíjense en como dice “Si, si noi tutti soli” este “tutti” está tan bien fraseado que una dice o piensa que lo que va a venir a continuación solo puede acabar pañuelo en mano, porque, si una Butterfly no te enternece hasta el llanto, entonces es que no sirve para cantar Butterfly. Y acaba por no llegar a este punto.

Lejos está el Pinkerton que años ha grabó Kaufmann al lado de la Gheorghiu bajo la batuta de Pappano. Pero en su actual personaje no hay la prisa del amante que compra una noche de pasión, no hay la sutilidad previa a la consumación del acto, ni la envolvente seducción del que es ducho en el arte del amor.

En este dueto, y a diferencia del de “O soave fanciulla” Kaufmann apuesta por el finale en forte, que me gusta y el efecto de su “Sei mia” por encima de Butterfly una vez a acabado su dueto.

Sigue, para culminar el disco, una “Che gelida manina” de “La bohème” que no aporta nada nuevo y un “E lucevan le stelle” para mi, muy bien ejecutado con una demostración de su exhuberante legato que recuerda el porque Jonas está ahí en primera fila, pero, qué lejos queda su voz, su línea y sus recursos vocales de aquél Jonas que nos sorprendió con su gran Werther en la Bastilla de París.

Siempre nos quedará ese Jonas, el de París.

Y, como colofón a estas líneas, quizás acabo con algo con lo que hubiera tenido que empezar estas palabras, y es que… cuando Puccini no consigue emocionarte y no aparece la carne de gallina que recorre el cuerpo con escalofrío, es que algo no funciona. O, alguien no funciona.

El estado vocal de Kaufmann es más que discutible, y su canto vacío de emoción. Siempre lo he dicho, para cantar Puccini se necesita otra cosa, pasión, belleza vocal, sentimiento, éxtasis… algo de lo que Jonas Kaufmann va muy escaso.

El duro revés de Alagna

Llegado a la madurez vocal, el tenor francés ROBERTO ALAGNA al igual que han hecho muchos de sus antecesores al llegar a su edad, saca nuevo trabajo sin caer en el error de, a sus 61 años, cumplidos el pasado junio, republicar viejas grabaciones de hace 30 años, que le hacen favor a quién escucha, pero que absolutamente nada aportaría al artista en cuestión.

Por tanto, creo aquí Alagna juega con la inteligencia del que sabe que ha envejecido y de quién conoce perfectamente su estado vocal, sacando el máximo provecho de ello, con más o menos acierto, pero, arriesgando. Y eso, dice mucho de un intérprete. Matizo, intérprete.

Para seguir con la misma línea del disco anterior, la portada que Alagna escoge para su nuevo álbum, sin embargo, no me parece para nada inteligente, teniendo en cuenta lo que decía en el párrafo anterior. Un Alagna retocado por Photoshop o por IA no favorece para nada a un artista que, a pesar de su edad, conserva la fotogenia intacta aunada por una madurez serena que hacen aún atractivo al hombre.

En cuanto al título, si “Puccini Love Affairs” es muy sugerente y curioso, el “Roberto Alagana:60” no tiene ningún tipo de atractivo o gancho marquetiniano. Y si a eso le sumas la portada en la que Alagna parece salido de la película de “Los intocables”, aparentemente, son elementos más que suficientes como para no despertar la curiosidad.

Pero, siempre hay un pero, y dos lanzamientos en una distancia de tiempo tan breve, y, de las dos voces que actualmente, cortan algo más que el bacalao en los teatros de ópera, es motivo más que suficiente para la que suscribe como para darle una primera oportunidad.

Y valga a decir, también una segunda, pues el estado vocal actual de Alagna es también igualmente discutible.

La voz está más velada, y ha perdido brillo y esmalte, al igual que sucede con las uñas que ya llevan tiempo pintadas. La voz es menos redonda e inclusive hay momentos en que puede sonar un tanto astillosa. Los años, no pasan en balde, pasan para todos, como él mismo dirá en su propuesta final “Sognare”, que compuso al principio de su carrera.

Pero si hay algo que por lo que Alagna sigue enamorándome es por su apabullante belleza vocal, un timbre mediterráneo hermosísimo que hace las delicias de quienes le escuchan, manteniendo además aquél gusto innato para el canto y la expresión, y la sonrisa en la voz de aquél que disfruta cantante y así lo transmite y llega.

La inteligencia de Alagna en este disco salta a la vista a medida que una va escuchando su propuesta. No cae en la tentación de cantarse roles con los que fascinó al mundo entero, al menos, no cae totalmente en esta tentación, solo hay un pequeño desliz en su incursión al “Faust” con un “Salut, demère chaste e pure” con una ascensión al agudo discutible y a caballo entre el forte y el falsete que queda tirante en la que se aprecia un pequeño trémulo, que, de otro lado, y siendo disco, se hubiera podido corregir.

Alagna hace un viaje operístico tocando todos los estilos, ópera italiana, francesa, polaca, rusa, barroca e incluso guiña el ojo a Wagner con dos arias de “Lohengrin” que se le hacen un tanto pesadas para su vocalidad. Pero aporta algo con este trabajo, y es el frescor de piezas totalmente para mi desconocidas que hacen brillar aún a una voz que de por si es poseedora de una belleza que, gracias a Dios, conserva intacta.

No hace falta decir que continúa siendo un auténtico lujo y placer escucharle en francés, una lección de canto cada vez que incursiona en este tipo de repertorio, y consigue emocionar con piezas tan poco frecuentes como la “Sadko” de Nikolai Rimski Korsakov o el lamento barroco de Pergolesi, “Ogni pena cchiu spietata” de la ópera “Lo frate ‘nnamorato”.

El equilibrio del disco es magistral a pesar de que la pieza escogida para abrir un generoso recital de 1 hora y media de duración es la que menos en estilo le va a Alagna. Ese “Sento avvampar nell´anima… Cielo,pietoso rendila” del “Simon Boccanegra” de Verdi, para mi demasiado acelerada en la que echo en falta una voz más spinto que la que posee el francés para cantar este ròle.

Difícil y comprometida en agudos “Le Postillon de Lonjumeau” en la que hace alarde de una zona aguda aún bien conservada, un tanto más tirante que años ha, pero que llega a los tremendísimos agudos que dejó impresos el compositor Adolphe Adam. Es disco. No puedo saber si hay o no trampa y si hubo o no repeticiones, pero la valentía de Alagna en abordar este tipo de piezas merece sin duda una ronda de aplausos.

Su flirteo con el idioma polaco, claro homenaje a su esposa, la también soprano Aleksandra Kurzak, hacen patentes una vez más la capacidad camaleónica de un Roberto Alagna que parece no tener límites.

Y en la parte final del disco, serenatas, músicas más populares, compás de vals, y crossover culminan una excelente propuesta de la que destaco, sin lugar a dudas ese “Le millions d´Arlequin” de Riccardo Drigo, que nos recuerda una vez más, con un nuevo puñetazo, el por qué sigue -me sigue- gustando tanto Roberto Alagna: por su belleza tímbrica, por su gusto, por su fraseo, por su sonrisa en la voz, porque expresa… porque simplemente, me emociona. Me llega.

Muy recomendable su versión de “La Spagnola” y “Be my love”, y ese “Sognare” final que él mismo compuso, es una declaración de principios e intenciones, de un hombre inteligente y comprometido (la letra no tiene desperdicio).

Soñar, esto es lo que he vuelto a hacer con Roberto. Con Robertíssimo…

Final round

Y creo que a estas alturas del combate, Alagna le está ganando nuevamente el pulso a Jonas sin lugar a dudas. Quedan los últimos segundos antes de que suene la campana, pero creo que el resultante es aplastante: Jonas no puede competir con Alagna ni en belleza de voz, ni en estilo, ni en salud vocal. Aquél que emociona, aquél que hace que tu cuerpo se estremezca con un escalofrío cuando emite notas, es quien gana.

Suena la campana, ahora sí.

Se acabó el asalto, el árbitro -o sea yo- que a estas alturas lleva a sus espaldas los dos discos y vario rato de crónica levanta por fin victoriosa la mano de Alagna. Roberto, campeón.

NOCHE DE ESTRELLAS: PLÁCIDO DOMINGO EN EL STARLITE, 13/8/2024 18 Aug 2024 1:29 AM (8 months ago)

Uno se puede imaginar que, después de dos años sin verle en directo, la ilusión que tenía por escuchar de nuevo al grandísimo PLÁCIDO DOMINGO, era enorme. Y es que dos años son mucho tiempo, pero desde 2019, las actuaciones del tenor escasean en nuestro país. Por ello, cualquier atisbo de oportunidad para disfrutarle es altamente aprovechable y recomendable.

Después de su concierto en la Plaza de Toros de la Real Maestranza de Sevilla en septiembre de 2022 y aún con los resquicios en el ambiente de una pandemia que parece no tener nunca fin, PLÁCIDO DOMINGO regresaba de nuevo a España, y por segunda vez consecutiva, en tierras andaluzas para brindarnos una de esas noches que quedan de por siempre en nuestras retinas y memoria. Las primeras, gracias a las grabaciones de estranquis que todos, en algún momento, optamos por hacer porque, ya se sabe que en España tiene que tronar y llover mucho para que se retransmita por televisión un acontecimiento similar. Y claro, en los últimos años, de lluvia y truenos, vamos bien escasos. Y, las segundas, porque hay cosas que no necesitas tener grabadas en tu móvil para recordar siempre, ya que cada una de las actuaciones de Domingo son únicas y especiales. Al menos, para mí.

El telón de fondo que PLÁCIDO DOMINGO escogió en esta ocasión para regalarnos de nuevo su voz fue el Festival Starlite Occident que hace ya varios años se celebra en Marbella. El entorno, una cantera de piedra elevada a varios metros que alberga, a parte del espectáculo principal varias ofertas paralelas de ocio y diversión, a parte de gastronomía. Discoteca, buenas mesas regadas por excelentes vinos malagueños sirven de acompañamiento y relleno adicional al concierto para aquellos que, después de una noche de éxtasis, el cuerpo aún les pide fiesta hasta altas horas de la bien entrada madrugada del día siguiente.

Bravo para Starlite

Nunca creí que un recinto tan sumamente masificado en el que se aúnan un sinfín de disciplinas, estuviera tan bien organizado.

Me lo dijeron, e incrédula de mí, lo dudé. Pero lo cierto es que pudimos acceder al recinto a pie del Festival en el que, desde las 8 de la noche, la maquinaria ya funcionaba a tutiplén. Restaurantes, bares, discoteca… todas las piezas del engranaje avanzaban juntas sin necesitad de aceite. Todo estaba perfectamente calculado y medido. Los accesos al auditorio al aire libre, con una hora de antelación se hicieron paulatinamente y sin prisa, llegando a llenar, diría que casi al completo, todas las incómodas medio-sillas del Festival. Esto último fue, la única nota discordante de la noche, dado que el recinto no está pensado para que el espectador aguante dos horas sin solución de continuidad un espectáculo como al que asistí, sino que, me da la sensación que son asientos de apoyo y tregua para aquel público que asiste a bailar y a corear las canciones de su artista o grupo favorito. Pero no están preparadas para estar sentado dos horas, sin que puedas hacer el pertinente descanso, porque a las 12 de la noche empezada de nuevo el espectáculo en la discoteca.

Lo segundo que no me gustó es el hecho de que la organización permitiera entrar a los rezagados de última hora una vez ya había empezado el concierto. Distraen al público que ya se ha concentrado y está en comunión con el artista, y supone una falta de respeto para el cantante y para el resto de público que ha hecho los deberes y estaba allí a una hora prudencial.

Sin embargo, sí que aplaudo la organización del Festival a la hora de abandonar el recinto. Buena coordinación con los autobuses lanzaderas que bajan hasta la esplanada para recoger tu coche o para coger el autobús. Filas separadas por vallas y dirigidas por el “staff” del Starlite. Y es que si no fuera así, aquello que horas antes era una balsa de aceite, se hubiera convertido en una selva donde siempre la ley del que tiene más cara, acaba triunfando.

Así de esta manera, una persona, una camiseta oficial del Startlite y un móvil contando la gente para encabirla en los autobuses lanzadera, se convierten en un total acierto organizativo que evita el lío para dar paso al orden.

Mis felicitaciones.

Como los ángeles

Así es como sonó la ORQUESTA SIMFÓNICA DE MÁLAGA bajo la batuta del director JORDI BERNÀCER. Y es que ya desde la primera de las piezas orquestales que sonaron durante la noche, ya se adivinaba el gran trabajo hecho por el director y todos los matices que le supo sacar a esta orquesta. Creo que fue una opinión de común denominador. Todo el mundo lo destacó.

La orquesta sonó ágil, con pulso, con un tempo siempre adecuado y correcto. Y brilló. Brilló tanto sola como cuando acompañaba a los intérpretes, y JORDI BERNÀNCER estuvo siempre más que atento a las interpretaciones de los cantantes. Sabiendo recuperar entradas fuera de tiempo y cambios imprevistos de tempi.

Disfruté mucho de su trabajo ya desde el “Intermedio” de “LAS BODAS DE LUIS ALONSO”, pasando por el “Preludio” de “LA REVOLTOSA” o el no menos aplaudido “Intermedio” de “LA LEYENDA DEL BESO” o el siempre recurrente “Fandango” de la “DOÑA FRANCISQUITA” ó “EL SOMBRERO DE TRES PICOS”.

No me extraña en absoluto, después de tener la oportunidad de verle trabajar en directo que JORDI BERNÀCER sea uno de los directores con los cuales PLÁCIDO DOMINGO esté trabajando más últimamente. Y es que esto fue de Maestro a Maestro.

El más esperado de la noche

Sin duda hablo por mí. Con una ilusión tremenda por escuchar de nuevo a la voz que me acompaña desde hace muchos años, emprendí el día anterior viaje rumbo a Andalucía, una tierra que nunca deja de sorprenderme y agradarme. Sus gentes, su saber hacer, su saber vivir, y su carácter y buen humor, predisponen todo, absolutamente todo, para que, lo que vives allí junto a ellos, sea imborrable.

Mil quilómetros me separaban de Marbella. Mil quilómetros que hicimos con enormes ganas. Y es que cuándo lo que te aguarda sabes que va a hacerte muy feliz, la distancia no importa, no es barrera física para aquellos que amamos el arte y la voz del incombustible e inigualable, y también, ¿por qué no? irrepetible PLÁCIDO DOMINGO.

PLÁCIDO DOMINGO, la voz que me llega al alma y que me hace sonreír, la voz que me hace feliz y que me da vida. Gracias Maestro por, a sus 83 años darnos todo lo que nos da. Somos realmente afortunados y felices de poder disfrutarlo aún. Y mientras esto siga así y pueda, allí estaré acompañándolo. Porque lo disfruto y porque aún tengo aquel gusanillo en el estómago de esos nervios tan bonitos previos y durante el concierto. Porque la euforia dura una vez pasado el espectáculo, y porque al finalizar, siempre me quedan ganas de una vez más. Y siempre me da la sensación de que la anterior será la última. Pero siempre llega una más, y una más, y siempre hay últimas veces. Siempre digo… y si esta fuera la última vez… yo quiero estar allí.

Pero el inagotable PLÁCIDO DOMINGO siempre me regala otra. Gracias Maestro Domingo. Y me va a perdonar, pero, egoístamente, regáleme aún muchas más, por favor.

Dicho esto, todo lo que pueda decir acerca de lo que se vive cuando una va a un concierto de este inconmensurable artista es poco. Poco es también todo lo bueno y grande que se ha dicho ya de este artistazo, si se me permite el tono coloquial. Lo de menos en estos casos es su edad. 83 primaveras cuenta ni más ni menos el tenor madrileño. Y sí, es verdad que no es ni una sombra de lo que fue, pero, su valentía, su arrojo, su pasión, su entrega y sus ganas, su saber cantar y el timbre cálido de su voz siguen intactas, con las mismas ansias del novillero que se tira al ruedo por primera vez. Y eso, señoras y señores míos, es digno de escribirse con letras de oro en los libros de historia de la ópera.

Noche española

Siendo el programa enteramente dedicado a la zarzuela, era atractivo más que suficiente para mí para estar allí. Adoro la zarzuela porque son músicas que he escuchado desde que era una niña. La amo también porque era la música de mí abuelo. Él me la enseño y con el aprendí a quererla y a valorarla como género que va en paralelo a la ópera, nunca por debajo como música inferior. Y si a todo esto añadimos que es PLÁCIDO DOMINGO quien me ofrece una versión de “Mi aldea” de “LOS GAVILANES” o un emocionadísimo “Luche la fe” de la “LUISA FERNANDA” entonces ya, a estas alturas y con lo que llevo escrito, ¿hay alguien a quién no le hayan entrado de ganas de haber ido al concierto? O… ¿de repetir? (Lástima que no pueda poner aquí algún emoticono ahora).

Bien es cierto y para ser justos, PLÁCIDO empezó un poco flojo con las dos primeras romanzas, quizás la exigente “Mi aldea” y “Ya mis horas felices” de “LA DEL SOTO DEL PARRAL” fueron sus incursiones menos acertadas de la noche. Sin embargo, fue a partir del dueto de “Hace tiempo que vengo al taller” de “LA DEL MANOJO DE ROSAS” en que Domingo cogió volada y, aquello que 10 minutos antes había sido un tanto titubeante, se convirtió en un “aquí mando yo” y poco a poco, su seguridad se acrecentó y el artista se relajó para ofrecernos un concierto de un muy buen nivel, siempre teniendo en cuenta la edad que tiene.

Y esto me gusta recalcarlo. No se le pueden pedir peras al olmo, pero sí que se puede disfrutar de lo que el olmo te ofrezca y dar las gracias a Dios por ello, ¿no? Pues yo le doy las gracias y disfruto de lo que nos da ahora que, aunque parezca poco, para mí, es mucho.

Apoteósico como siempre su “No puede ser” de “LA TABERNERA DEL PUERTO” que levanta pasiones por ahí donde la canta, así como su “Amor, vida de mi vida” de “MARAVILLA” del maestro Federico Moreno Torroba.

La zarzuela, al igual que para mí es la música de mi abuelo, para PLÁCIDO DOMINGO es la música de sus padres, y para ellos claro está, hubo un momento de recuerdo, a partir del cual, un emocionado hijo homenajeó a sus progenitores con un “Luche la fe por el triunfo” de absoluto manual. Gracias PLÁCIDO.

Artistas invitados

Se cayó del cartel el tenor donostiarra Xavier Anduaga, quizás debido a su reciente paternidad, y fue sustituido por el jerezano ISMAEL JORDI que brindó páginas de la “LUISA FERNANDA” como “De este apacible rincón de Madrid” o la bellísima “Flor roja” de “LOS GAVILANES” de  Jacinto Guerrero, donde Gustavo, enamorado de Rosaura, le canta todo su amor. Siendo enamorado, y siendo además un personaje joven, eché en falta un canto más refinado en el que el uso de recursos como las mezza voci o los piani brillaron por su ausencia. ¿Tu le chillas a la mujer de la cual estás enamorado, o por el contrario, le hablas o susurras con dulzura al oído? Pues queda todo dicho.

No tiene una voz excesivamente expresiva ni atractiva. Cumple, pero no me convence. Ni por estilo, ni por fraseo, ni por timbre ni por su lenguaje corporal.

Cantó un único dueto con SERENA SÁENZ, la otra artista invitada de la noche, “Caballero del alto plumero” de la “LUISA FERNANDA” en el cuál, ambos intérpretes estuvieron más preocupados de la parte escenificada que de la vocal. No puedo decir que lo cantaran mal, pero no pasará a mi memoria como interpretación sublime de ambos.

La soprano SERENA SAÉNZ, salida del concurso de ópera “Operalia” cuyo mentor es PLÁCIDO DOMINGO tiene buena madera de artista, pero, creo que debe concentrarse más en la parte vocal que en la estético-escénica. Si bien me fijé que tiene intención en el fraseo y deja muy buenos detalles y matices en este sentido, no estamos hablando de una voz especialmente bella, y sin embargo bella es ella físicamente.

Pienso que, si sabe explotar esos atisbos de expresión, el material es bueno. Pero, necesita rodaje, aunque aparentemente, la ves moverse en el escenario y puedes llegar a pensar que está muy rodada.

Siempre he pensado que siendo tan joven como es ella (y hablo en general) a nadie engaña una cara bonita, unos ojos expresivos o un bailoteo sensual en un ambiente en que el cuerpo pide más juerga que no arte. El arte vocal se demuestra cantando, no falseando. Pero, para gustos, los colores.

SERENA escogió un repertorio muy afín y adecuado a su voz ligera, en el que sorteó el sinfín de coloraturas de “Me llaman la primorosa” de “EL BARBERO DE SEVILLA” de Gerónimo Giménez o los picados de “En un país de fábula” de “LA TABERNERA DEL PUERTO” del maestro Pablo Sorozábal.

Su único dueto con el Maestro DOMINGO fue el pasodoble de “LA DEL MANOJO DE ROSAS” de Sorozábal, “Hace tiempo que vengo al taller”, realmente bien cantado por ambas partes.

Y acabó sus intervenciones con un bis de la zarzuela cubana del maestro Roig, “CECILIA VALDÉS” en la que la música ya por si sola invita al baile y que se lo marcó como si fuera una cupletista. Un ejemplo de aquello que decía antes, quieres bailar, baila, pero vete a bailar al Molino, no en un espectáculo de zarzuela. No está reñido el saber moverse en el escenario con ser artista, pero todos los extremos pican y personalmente me sobró. Fue un poco como disfrazar el sabor del calamar con un buen rebozado.

El bis de ISMAEL JORDI fue mi queridísimo “Bella enamorada” de “EL ÚLTIMO ROMÁNTICO” de Soutullo y Vert, al que le pasó algo similar que lo ya explicado en el “Flor roja”. Y me va a perdonar, y con todos mis respetos para el artista jerezano, pero, nunca jamás he escuchado esta romanza tan bien cantada como a PLÁCIDO DOMINGO. No le quiero quitar méritos a JORDI, para nada, simplemente téngase en cuenta que las opiniones vertidas aquí, todas ellas, son cuestión de gustos.

Con el Maestro cantó el dueto de la “MARINA” de Arrieta, “Se fue, se fue la ingrata” donde contrastaron bien las voces en las intervenciones conjuntas, y, los tres artistas al unísono, concluyeron el programa oficial cantando el dueto de “EL GATO MONTÉS” a tres voces, de aquellas cosas que, solo pueden salir de la cabeza de PLÁCIDO DOMINGO. Y JORDI dejó que el Maestro se luciera con su arranque “Torero quiero ser”.

El bis de Domingo

Había cantado ya el “No puede ser”, por tanto, como bis ya no procedía.

Se cantó “Maravilla”, otras de las que, junto con la anterior, siempre están presentes en sus conciertos.

¿Qué sorpresa nos tenía preparada PLÁCIDO DOMINGO?

Mentiría si dijera que no había especulado con posibles opciones de bises… Siendo en Andalucía, y cuando en Andalucía se está en la provincia de Málaga, lo lógico era pensar que, aunque muy lejos de la zarzuela, PLÁCIDO nos ofreciera una versión del bolero-mariachi “LA MALAGUEÑA”, pero no… Decepción por parte de alguna persona del público, fue alguno de los comentarios que escuché cuando nos dirigíamos a la salida una vez finalizado el espectáculo.

Creí también que podría cantar “LA MORENA DE MI COPLA” con la que dos años atrás en Sevilla se vino abajo la Real Maestranza. Pero tampoco… Entonces… ¿cuál? ¿Cuál quedaba de las que a PLÁCIDO le apasionan?

Y si, los que le conocemos bien sabemos que hay otra que está entre sus predilectas, porque nada más oír los primeros compases confirmó lo que estábamos pensando. “El granado” sobrenombre por el cuál sus compañeros de colegio le bautizaron por cantar “GRANADA” de Agustín Lara siempre y por todos los rincones, como la zarzamora, fue la guindita que coronó el pastel. Qué bien que la cantó y cómo desplegó todos los recursos vocales y expresivos, y de fraseo que tanto me gustan y, que correspondí con un estruendoso y emocionado aplauso.

“Granada” puso punto final a dos horas cortas que me dejaron, como no podía ser de otra manera, con ganas de otra. Otra, a lo mejor -y esta vez sí podría ir de veras- que podría sería la última. Recemos para que no sea así.

La luz del lado oscuro de “Il trovatore” sabadellense 1 May 2023 1:32 AM (2 years ago)

“Il trovatore” de Verdi es una ópera ya de por sí oscura. Y no solamente porque la mayoría de sus escenas se dan durante la noche, sino porque sus roles predominantes son precisamente los que se mueven en las notas medias y centrales. Claro que hay soprano y tenor y con páginas absolutamente brillantes que salieron del genio del de Busetto, pero, sin lugar a dudas, Verdi confiere una vez más enorme protagonismo al barítono y a la mezzosoprano como ningún otro compositor hizo.

Ayer por la tarde en Sabadell se daba cita a la tercera función de la última ópera de esta temporada 2022-2023 que empezara en el mes de octubre con “Don Giovanni”. A los intérpretes, no obstante, aún les aguarda un largo periplo por diferentes localidades catalanas, pero, con la de ayer, se cerraba el círculo en la capital vallesana, a la espera de la nueva e interesante temporada que ya se ha anunciado para el año que viene. Empezará con un “Romeo et Juliette” seguida de una “Doña Francisquita”. De esta forma en la FUNDACIÓ D´ÒPERA A CATALUNYA recupera mi muy querida zarzuela después de unos cuantos años sin que tuviera presencia. Aplaudo pues la iniciativa y bienvenida sea de nuevo a casa.

En el mes de febrero podremos disfrutar de “Manon Lescaut” de Puccini y finalmente, dentro de un año, la que ahora suscribe cuatro palabras sobre “Il trovatore” hará lo mismo con la “Turandot”. Dos óperas de repertorio clásico, arriesgadas y difíciles y que los que adoramos Puccini disfrutaremos sin lugar a dudas.

Austero Trovatore

Sabemos de los medios y los recursos de los cuales dispone la FUNDACIÓ D´ÒPERA A CATALUNYA, por tanto sería de dementes esperar un decorado recargado y suntuoso, así como un vestuario más vistoso.

El equilibrio entre la seriedad del negro, la oscuridad de la obra y la época en la que se enmarca este Trovatore hacen que, escena y vestuario nos sitúen más o menos en la época. Por tanto, no hay nada que decir acerca de esto, y destaco como siempre la excelente iluminación para crear ambiente a cargo de NANI VALLS.

Con un mismo motivo conductor a nivel escenográfico salpicado de grises y columnas, CARLES ORTIZ y JORDI GALOBART, otorgan, a este Trovatore sencillo una notoriedad absoluta sin salir del contexto. El resto de ambientación, como en otras ocasiones, lo dejan al libre albedrío de los asistentes. Soñar es gratis, y de momento, imaginar, también.

Equilibrio vocal y coral

He de reconocer el gran trabajo y mejor resultado de la ORQUESTRA SIMFÒNICA DEL VALLÈS y el COR DELS AMICS DE L´ÒPERA DE SABADELL a cargo del Maestro DANIEL GIL DE TEJADA que supo mantener el volumen justo y adecuado que requiere esta gran ópera verdiana. Gil de Tejada imprimió notoriedad y tempi adecuados, quizás a mi gusto en alguna ocasión un tanto ralentizado sobre todo el momento coral de la “pira” con esos “all´armi” más lentos que el propio ritmo del aria más esperada de la noche.

Pero a pesar de este pequeño contraste, el maestro llevó muy bien la función de la tarde, atento en todo momento, cantando con el coro, concentrado en la escena y en total comunión y entendimiento con los cantantes.

Reparto

MARIBEL ORTEGA regresaba una vez más al role de Leonora. Su voz es más que suficiente para abordar sin problema el papel verdiano. Los agudos son claros, limpios y seguros, bien colocados y sin estridencias de las que, otras habituales en este papel, suelen adolecer.

Empezó en su primera escena quizás algo titubeante en emisión. Me daba la sensación que la voz se quedaba un poco atrás aunque sin embargo, finalizada su aria “Tacea la notte placida” afortunadamente, lo dejó, valga la redundancia, atrás. Bien ejecutada esta primera pieza que culmina con una cabaletta criminal como es el “Di tale amor” de la que solo cantó la primera estrofa. Lástima.

Sin embargo, fue en su gran scena del cuarto acto cuando la jerezana escuchó los atronadores aplausos y bravos del público tras escuchar su “Damor sull´ali rose”. Cantada sin prisas, con matiz y pianos bien matizados y ejecutados fue uno de sus mejores momentos que acabarían con el espectacular dúo con el perverso Conde de Luna.

El tenor argentino GUSTAVO PORTA no fue Manrico en ninguno de los sentidos. Su voz es suficiente para cantar el role, si, pero con esto no basta. No basta con ejecutar una buena “Di quella pira” (dicho sea de paso, con agudos bien asentados tanto en el “o teco all meno” y el “all´armi” final seguro y dilatado que hacen las delicias de aquellos que, desgraciadamente, hoy en día continúan pensando que la ópera es tener un buen agudo, o lo que en catalán diríamos “un bon pinyol”).

No, Manrico no es cantar “Di quella pira” de una forma solvente y reservarse para ese instante. Manrico es un papel, quizás no tan agradecido para el tenor si lo comparamos con otros roles verdianos, pero, no obstante el personaje tiene otras posibilidades expresivas. Y a tal efecto Verdi le escribe un aria sensacional como es “Ah si ben mío”, momento en que el tenor tiene que desplegar todos sus recursos expresivos.

No está dotado de una voz especialmente bella ni de un fraseo que brille, aunque hubo momentos en que imprimió buenos matices, pero, no acaba de funcionar a pesar de que intentó asentar piani que en algún momento me dio la sensación de que la voz se tornaba un poco ronca. No se le puede negar que lo intentó después de un inicio con “Deserto sulla terra” más que prescindible y cantado con demasiada ligereza muy lejos del canto de un trovador.

Luz en la oscuridad

Sí, quizás un poco rebuscada la frase o parafraseada de otra que se ha hecho famosa en Catalunya, pero lo cierto es que la oscuridad de las voces del Conde de Luna y de Azucena fueron la que dieron, a este Trovatore sabadellense, la luz y el equilibrio a esta magna ópera de Verdi.

No miento si digo que el gran triunfador de la noche fue sin lugar a dudas CARLES DAZA que regaló su voz al Conde de Luna. Un volumen y corporeidad más que suficiente para abordar un papel como éste.

Su voz suena bien, sana, robusta y tajante, acompañada de una excelente dicción, cosa que siempre he destacado del interprete catalán (y eso tanto si canta solo como si se trata de duetos o de concertantes). Con Daza no hace falta que sigas la subtitulación porque se entiende perfectamente todo lo que está cantando, y eso, para mí es muy importante, y es otro de los grandes recursos expresivos a los que, un cantante inteligente, puede dar a un personaje y hacerle justicia.

Ya desde su primera entrada en escena con su “Tace la notte” se pudo presentir cómo avanzaría en el resto de la obra. Supo dar al Conde autoridad y austeridad avaladas ambas por un volumen que resonó en todo el teatro de La Faràndula ayer por la tarde.

Serio en su gesto, autoritario sin rozar el despotismo que otros intérpretes se empeñan en darle a este papel superó con creces mis expectativas para con Carles en este role.

Su gran escena del segundo acto fue muy aplaudida y agradecida por el público y con su voz, con su matiz, en escenas conjuntas en las que las voces de Daza y Porta se medían, ganaba el catalán respecto del argentino en autoridad y en volumen.

Para mi fue un enorme placer escucharle en tan espléndida forma y ver su sin duda notable evolución en todos los sentidos. Aquel a quien descubrí con un ya lejano Silvio de “I pagliacci” y al que ya auguré a mi salida del teatro que allí había una buena voz a seguir y de la cual oiríamos a hablar, ver ahora donde está y lo que ha ido cosechando, es sin lugar a dudas, como aficionada una auténtica satisfacción.

No quiero no obstante dejar de comentar otro de su grandes momentos, en esta ocasión al lado de Maribel Ortega y que fue el apabullante dueto del cuarto acto “Mira d´acerbe lagrime” en las que la voz de Maribel hizo más buenas migas con la del barítono que en otros pasajes que aún estaban por venir junto al Trovador.

Enhorabuena, Carles.

De los intérpretes principales, de los 4 intérpretes principales mejor dicho de este Trovatore, quiero hacer, por supuesto, una mención especial para la mezzosoprano catalana LAURA VILA que afrontó uno de los papeles más exigentes salidos de la pluma del gran Verdi.

Y es que Laura es muy bien conocedora de sus medios vocales, de sus posibilidades y de su capacidad como cantante y artista.

Valga por delante que aplaudo que no presentara una Azucena escénicamente pasada de vueltas como hacen otras de las que hemos considerado grandes Azucenas con el simple y vulgar objetivo de erigirse, sin lugar a dudas, en el centro de las miradas durante una representación operística. Y recordemos que una ópera es un trabajo de equipo.

Laura dotó a Azucena de inteligencia. Cantó lo que tenía que cantar sin exagerar un ápice la parte vocal y sobre todo la escénica. No sobreactuó. Simplemente actuó. Y eso, a nivel personal, yo se lo agradezco. Mucho.

Azucena es, a la par que Anmeris, un bombón de papel. Oscuro, perturbado, con pulso. Y esto se nota en su ejecución.

Su “Stride la vampa” ya fue un claro ejemplo a nivel vocal y artístico. ¿Por qué poner los ojos fuera de órbita para cantar esto? ¿Por qué exagerar el gesto cuando tienes los recursos para hacerlo con la voz?”. ¿Por qué desviar al público con esos recursos manidos si el recurso lo tienes en tu garganta?

Brava Laura porque su voz sonó como tuvo que sonar, sus graves, sin ser la suya una voz de gran dramatismo es más que suficiente para esta Azucena.

Genial como paseaba su voz por las zonas más altas y exigentes que se puede encontrar en la escala de la mezzosoprano, y el gran contraste – aquel que a mi me hace estremecer cuando se lleva la voz del agudo al grave en dos segundos – estuvo presente ya desde el principio de esta aria.

Quiero destacar también, porque para mi es muy importante que, al igual que comentaba para Carles Daza, que Laura Vila tiene un fraseo impecable y completamente inteligible. Tampoco necesitas seguir la subtitulación cuando ella está cantando. Y eso es más que meritorio dado que, de por sí, es mucho más difícil entender las voces femeninas que las masculinas cuando están cantando.

Tanto en el dueto del segundo acto “Non son tuo figlio” como en el del cuarto “Madre non dormi”, ambos con el tenor, estuvo realmente fantástica. Me sorprendió sin embargo, en el primero, en el “Non son tuo figlio” el cambio de tempo en el “Ma dell´alma dell´ingrato non parlò dal cielo un detto” respecto al que se había llevado todo el dueto. No acabé de entenderlo aunque si el objetivo era remarcar la autoridad de la madre y las instrucciones que con ello daba a su hijo, pues bueno, de acuerdo. Personalmente estos cambios bruscos, marcados obviamente fruto de un trabajo previo con dirección, no acaban de convencerme. Pero es simplemente mi opinión.

Quiero decir también que, a pesar de que las páginas más famosas para Azucena sean acaso ese “Stride la vampa” o el demencial “Condotta era in cepi”, a nivel personal para mí, Azucena tiene otro momentazo si se me permite usar esta expresión popularizada años ha. Y este momento es el de “Deh, rallentate, o barbari, le acerbe mie ritorte...Questo crudel supplizio è prolungata morte...” Si, el clímax final de esta primera escena del tercer acto es para mi cuando Verdi, cuando el genio de Verdi y todo el infierno que arde en su imaginación, brinda a la zíngara una de las mejores y más emotivas páginas jamás escritas para ella. Y aquí si que Laura hizo que se me pusiera la carne de gallina con ese arrebato tan típico y tópico de las obras de Verdi.

Brava!!! Brava Laura.

No fue sin embargo aplaudido el dueto del cuarto acto con Manrico “Madre non dormi” pero fue ejecutado excelentemente al igual que su fulminante “Sei vendicatta, o madre” que concluye la obra.

Roles secundarios

De los cuales destaco el Ferrando de JEROBOAM TEJERA  y la Inés de MARIYA MELNYCHYM, el primero por tener una voz de aquellas que, en cuanto emiten la primera nota ya ves que son de aquellas que inundan por completo el teatro y porque la difícil partitura que Verdi le encomienda, la hace sin titubeos. La segunda, por calidez de voz y fraseo completamente inteligible, que insisto, para mí es muy importante.

Sin duda una tarde de ópera la de ayer recomendable si lo que se busca no es la espectacularidad de los agudos en “Di quella pira” o los pasajes más populares de la ópera de Verdi como lo son el coro de los gitanos del segundo acto, o el coro de soldados del tercero.

Si lo que se busca es disfrutar de unas buenas voces que tienen sentido de la interpretación y que les prestan atención al texto y a cuán importante es la expresividad que se le puede dar a un personaje operístico, sea de la cuerda que sea, entonces, este, es vuestro “Trovador”.

Butterfly tiene nombre de mujer 20 Feb 2023 1:32 AM (2 years ago)

Cuando alguien sale de un teatro de ópera y piensa en lo afortunado que es de poder disfrutar la música hasta extremos indescriptibles, es por la mera razón de que, lo que acaba de escuchar, le ha llegado hasta el rincón más lejano de su corazón.

Esto bien podría ser simplemente el resumen o preludio de lo que viene a continuación, pero, emocionarse hasta tal punto en el teatro, llorar con la música, sentir como llegan las voces y estar durante la ópera completamente metida ella es algo que cuesta de consiguir, pero, que cuando se logra, no hay palabras ni poder humano suficientes como para describir la avalancha de sentimientos que desfilan delante de una.

Pocas veces salgo del teatro con esta sensación, y cuando de manera excepcional la comunión entre el artista y el público van de la mano, entonces es, y reitero, cuando digo, que soy una persona afortunada. O a mí me lo parece.

Y ayer tarde lo fui.

No solamente porque “Madame Butterfly” invita a serlo, sino porque es una ópera cargada de fuerza emocional, de sentimiento, con una historia de trasfondo que conmueve y con una música con la cual, se tiene que ser muy insensible – o cantarla muy mal- como para no sentir nada de nada en las casi tres horas, intermedio incluido, que duró la función.

Qué música tan excelsa escribió mi querido Giacomo Puccini para su amada Cio-Cio-San. Un mago del sentimiento, de la emoción, de las reacciones, del matiz, de todo lo más profundo que un ser humano pueda llegar a sentir. Todo ello está intrínsicamente ligado a su música.

Buttefly remueve el cuerpo porque enseguida empatizas con la joven e inocente japonesa víctima de un engaño vil por parte de un oficial de la marina de un país llamado Estados Unidos de América, donde todo vale, donde todo se compra inclusive el amor, la inocencia y el dolor. El poder que pisotea al débil. Una clara exhibición de lo que hoy en día podríamos llamar turismo de explotación sexual donde Butterfly es la víctima de un sistema podrido y corrupto.

“Badate, ella ci crede” le masca Sharpless a Pinkerton al principio del primer acto.

Ella lo cree. La niña lo cree. Y la niña hecha mujer también, hasta que por conciencia, el cónsul la desengaña y la niña Butterfly se convierte en adulta de golpe con el estruendo seco de la percusión que la saca de su sueño pueril y la sitúa en la realidad de un mundo donde solamente va a poder encontrar la paz a través del sacrificio y la muerte. “Con onor muore chi non può serbar vita con onore”. Giacosa e Illica no lo hubieran podido escribir mejor.

Si hay alguien que no se emociona con esto, con todos los respetos para aquellos que no lo logran, pues, es que hay mucha insensibilidad esparcida por este mundo, o, también, es que hay mucha gente que va a la ópera porque toca, y nada más.

Nunca he podido hacer eso. A la ópera se va a disfrutar, a emocionarse, a vivir la música y a disfrutar de las voces. Lo siento, pero no me lo puedo mirar desde otra perspectiva.

Fue Madame Butterfly

Demos gracias a Dios ya que en los tiempos que corren, lo habitual no es encontrar una puesta clásica si no una fumada del director de escena que quiere explicar lo que se escribió hace más de 100 años. Que quiere explicarme, y me dirijo a mi misma, qué es Madame Butterfly y qué representa…. Ummmm… quizás si que se necesite explicación cuando ves que la pobre Cio-Cio-San te la visten de astronauta y el granuja de Pinkerton pilota una nave espacial. Pero no,  gracias, no quiero explicaciones. Quiero una Madame en Japón. ¿Tanto cuesta entender esto?

Y ayer, afortunadamente, y como viene siendo marca de la casa el tándem CARLES ORTIZ y JORDI GALOBART entienden a la perfección la obra y lo que le gusta al público que, entre los cuales me encuentro, vamos a gozar de la música, de las voces y de la historia, en el contexto que le toca. Voy a sentir, no a pensar. Que para eso, ya trabajo toda la semana.

Poco atrezzo y a penas sin decorado su Madame funciona. Las puertas corredizas típicas de las casas japonesas, un vestuario cuidado y una soberbia iluminación de NANI VALLS completan una Butterfly sencilla, muy bien ambientada en la que no se necesita cargar el escenario para hacer creíble la historia. Una bandera de los Estados Unidos en el primer acto, una rama de cerezo en el segundo, ceden el paso a la desolación de la protagonista en el tercer acto, donde se ve despojada de todo: del amor, de la maternidad y de la vida.

Me gustó la dirección de SERGI ROCA, atento al cantante y a la orquesta. Si que al principio la fricción de los arcos de los violines sonaban un tanto ásperas, demasiado enérgicas, y quizás en algún momento el volumen orquestal fue demasiado forte, pero, en un Puccini, las crecidas orquestales son lo habitual y lo que hace que la música del de Luca tenga en el oyente el efecto devastador de un tsunami.

Estuve pendiente de algo que para mi es esencial en una Butterfly. En el segundo acto durante el aria de Buttefly, “Un vel dì vedremo”. Los que me conocen saben perfectamente lo que viene ahora a continuación. Los que no, pues bueno, espero de alguna manera que, con el comentario, en su próxima Madame, lo puedan apreciar.

Es sabedor que Puccini nunca escribía una nota que no tuviera sentido musical ni concordancia con el texto. No había ni una nota de más ni una nota de menos. Podríamos decir, de una forma jocosa y con todo mi respeto, que en sus óperas hay momentos de psicopatía en los que el propio Giacomo se cercioraba de buscar el sonido verdadero, la realidad. Muestra de ello, las campanas que acompañan al amanecer romano en el último acto de su “Tosca”.

En Butterfly, hay un momento como este, psicopático… “Poi la nave bianca, entra nel porto, romba il suo saluto… vedi? Egli è venuto…” y ese “romba” ese estruendo del cañón del puerto que anuncia la llegada de las naves a Nagasaki Puccini la describe magistralmente.

Lo esperaba, quería oír ese “romba” ese cañón lejano del puerto que se aprecia con un sutil, pero audible golpe de timbal. Me fijé en el gesto del director, y segundos antes de este matiz, se gira, busca al timbal, y con un ojo en el escenario y otro en el músico, le marca que lo ejecute. Pasa el examen.

Inspirado también en el coro a “boca chiusa” y en el preludio del tercer acto, Sergi Roca firmó una muy buena versión de Butterfly, mientras que el coro, dirigido por DANIEL GIL DE TEJADA alcanzó momentos extraordinarios.

Grandes voces

Habituales de la casa como ENRIQUE FERRER que hubiera podido firmar un muy buen Pinkerton si en ocasiones su canto no fuera tan engolado. Ha corregido mucho su emisión y tiene la voz para Pinkerton aunque le falte un pensamiento de belleza en ella. Da el personaje y es creíble en el escenario y es en sus escenas conjuntas, con Sharpless o la misma Butterfly, en las que su voz brilla más quizás porque queda equilibrada – aunque debería decir, un tanto camuflada. Sin embargo, tengo que decir que alcanzó su mejor momento, y contrariamente a lo que acabo de decir dos líneas atrás, en su “Addio, fiorito asil” donde a mi gusto faltó un poco de aquel squillo que otros Pinkerton tienen, pero, fue de lo mejor que le pude escuchar durante la tarde-noche, con un volumen más que suficiente y ejecutado con mucha sensibilidad.

Cuando la voz de MANEL ESTEVE irrumpe en el escenario, una no deja de decirse a si misma que debería estar haciendo grandes teatros. Una voz muy bien timbrada, con un volumen más que suficiente para abordar el breve, pero no obstante difícil papel de Sharpless, el cónsul que permite a Pinkerton que actúe como un canalla. Y, aunque tiene un poco más de moralidad que el marino, deja que pase. Y pasa lo que nadie puede evitar.

Rotundo en su dueto del primer acto con Pinkerton y sublime en la lectura de la carta, además de un fraseo y expresión cuidados, y, un sentir de la actuación marca de la casa. Cantar lleva unido el actuar, el lenguaje corporal y facial. Saber escuchar y reaccionar a lo escuchado es ser también un buen cantante y artista, en mi opinión.

La Suziki de ANNA TOBELLA cumple con creces el cometido. Una voz con cuerpo aunque a veces me da la sensación de que se queda un poco en la garganta, sin embargo, cuando esto no ocurre, y la voz corre bien, se puede apreciar un bello timbre.

Ideal para esta representación fue una de las más aplaudidas, junto a Manel Esteve y Tina Gorina.

Sorprendente el Goro de JORGE JUAN MORATA. Una voz y timbre realmente bonitos que contrastaba muy bien con la de Enrique Ferrer y Manel Esteve.

Destacable también la breve intervención de JOAN CARLOS ESTEVE como el tio Bonzo.

Cio-Cio-San

Siempre he dicho, y perdonad quizás la brusquedad de mis palabras, pero, una ópera como lo es Madame Butterfly, como decía al principio, tiene que estar muy, pero que muy mal cantada para que no te emocione. Si la primera entrada de Cio-Cio-San ya no te llega, ya no te hace emocionar ni sientes que tu cuerpo no se remueve, entonces eso significa que la soprano que la canta no sirve para cantarla. Ya puedes guardar el pañuelo que hasta este momento has tenido en la mano en previsión de enjugar lágrimas, porque una Butterfly que no te hace saltar las lágrimas ya en su entrada, me reitero, no sirve para cantar esta ópera.

A la Buttefly yo siempre voy preparada, pañuelo en mano, y el resto en el bolso, porque si la cosa funciona, vas a utilizar más de uno.

TINA GORINA, ya desde el momento en que escuché su timbre de voz supe que la iba a disfrutar mucho. Tina, y permíteme la franqueza, me hiciste llorar y emocionar ya desde el principio.

Una voz dulce, un gesto cuidado, un buen fraseo y una sensibilidad para el personaje que me transportó a Japón, y que me hizo sentir totalmente afín y en concordancia con el personaje que interpretó.

Ella fue, sin lugar a dudas, la triunfadora de la tarde. Una Butterfly que invita a amarla. Sensible, pero para nada pueril, segura y firme con una proyección de voz de auténtico manual y todo ello, sin que su voz sonara estridente y perdiera belleza, dado que Butterfly es un papel muy agudo para la voz de soprano. Nunca rozó el grito, no tuvo ningún momento de dar la sensación de que estaba al extremo de sus posibilidades, y eso, es de agradecer, porque hay “grandes” que no lo logran.

Su Butterfly no es desagarrada al extremismo que a veces exige el verismo. Es una Butterfly fina, educada, sumisa y su actuación escénica complementa y refuerza su visión del personaje. Es decir, su gesto no es exagerado, no es una Butterfly histriónica, como no lo es su voz y tiene la inteligencia de no traspasar la barrera de la elegancia para lograr el efecto teatral de desgarro que a veces buscan y no encuentran otras Buttefly.

No, ella, lo hizo todo con la voz. Lo dominó. Se podía apreciar que sus ojos se humedecieron en algún momento, sobre todo al final del tercer acto antes de ejecutar su “Tu, tu, piccolo iddio” con un control y dominio vocal de lo emocional y lo canoro verdaderamente impresionante.

¿Quién es capaz de cantar Buttefly y que no se llenen sus ojos de lágrimas? Yo no puedo, me llega demasiado esa música que brotó de la sensibilidad de alguien que cogía notas, las ponía encima del pentagrama y… zas… magia.

Muy aplaudida en su “Un bel dì vedremo” y no fue para menos, como aplaudido fue su dueto del primer acto “Viene la sera” en la que su voz, con la de Enrique Ferrer, se fundieron hasta su “Vien” final con todo el oleaje de la orquesta pucciniana pasándoles por encima. Sublime.

Gran momento de contraste de voces también en el dueto de “Tutta la primavera voglio che olezzi qui”  con Anna Tobella.

Sold-out

Y no es para menos. Puccini, Madame Buttefly… era de prever, título clásico, puesta clásica. Un lleno total más que justificado, una sesión de ópera de un gran nivel de la cual salí completamente emocionada, eufórica y contenta, tanto… que hoy lunes, los efectos aún me duran y, retendré en mi memoria por mucho tiempo esta fantástica y muy recomendable Madame Butterfly que nos han propuesto en Sabadell desde la FUNDACIÓ ÒPERA CATALUNYA”. Si hay alguien que se lo está pensando…no penséis, decidiros simplemente y abogad por una más que magnífica tarde de ópera y estad dispuestos a dejaros envolver por algo que puede llegar a conmover tanto como es una de las más grandes óperas jamás compuestas por el grandísimo Giacomo Puccini. “Madame Buttefly”, apuntad, confiad en la calidad de los artistas, y simplemente dejaros llevar y disfrutad… “Un bel di vedremo…”

Cuando la felicidad tiene nombre y apellidos 19 Sep 2022 5:48 AM (2 years ago)

Gloria all´Egitto!!!: Sabadell cierra su temporada con la colosal ópera de Giuseppe Verdi 3 May 2021 5:07 AM (3 years ago)

Un año y medio sin pisar un teatro de ópera es mucho tiempo y con pandemia o sin pandemia la vida continua. Y la cultura también, dentro de lo posible y lo permitido, que viniendo de donde venimos, eso ya es mucho. Hace tan solo un año, disfrutar de una ópera en directo hubiera sido del todo imposible e inadmisible.

Ayer por la tarde, el Teatre de la Faràndula de Sabadell levantaba de nuevo el telón con una obra de grandes dimensiones y dificultades, vocales y escénicas, como lo es la gran “Aida” del maestro Giuseppe Verdi.

“Aida” es para Sabadell la última obra de esta temporada convulsa marcada por restricciones y toques de queda que han obligado a limitar el aforo de la sala y adelantar horarios para cumplir con la normativa vigente anti-Covid. Y aún así, la entidad sabadellense ASSOCIACIÓ AMICS DE L´ÒPERA DE SABADELL y FUNDACIÓ ÒPERA CATALUYA han logrado mantener los cuatro títulos de la temporada, con sus más y sus menos, aunque se cambiaron fechas de las funciones de “La flauta mágica” durante el mes de octubre pero llegaron a hacerse todas aún estando inmersos en plena segunda ola Covid.

Cartón piedra y telones transparentes

Con una escenografía completamente reciclada de versiones anteriores, Egipto desembarcó en Sabadell en forma de grandes escalinatas rojas llenas de motivos y jeroglíficos egipcios, que funcionan y ambientan bien los espacios; de telones transparentes en blanco y negro simulando columnas de los templos y grandes colosos. Todos esto fue perfectamente secundado con un gran protagonista que fue, como ya viene siendo desde hace muchos años, la brillante iluminación de NANI VALLS que tan bien recrea la escena del Nilo en una noche egipcia bajo las estrellas, como el fulgor de la gran escena de la Marcha Triunfal.

El vestuario, también reciclado, estaba dominado por el color rojo, el blanco y el negro. Faltaron más dorados, aquel color que tanto amaban los egipcios. Un dorado que apareció tímidamente en la peluca de Amneris o en la capa que luce espectacularmente en el segundo acto casi cegadora al ojo humano.

Una vez más los habituales de la casa, CARLES ORTIZ y JORDI GALOBART demostraron lo mucho que se puede hacer con tan poco. Que se tiene que recortar los ballets, pues se recortan. Y la cosa funciona. Que se tiene que reducir masa en la escena del desfile triunfal de Radamés, pues se reduce, y se sustituye lanzando pétalos blancos de manos de muchachas egipcias con túnicas blancas. Y la cosa funciona. Y funciona porque detrás hay un buen trabajo, horas de esfuerzo, dedicación y sobre todo de ilusión, de ganas, de compromiso y de talento.

Ligero, como el río que fluye

Mención especial para el maestro DANIEL GIL DE TEJADA en la ejecución de una obra tan difícil e inconmensurable como es la “Aida”. ¿Por qué mención especial? Pues porque el maestro supo en todo momento dominar a una orquesta en una obra en que la orquesta tiene que sonar fuerte, portentosa, a toda potencia, porque Egipto lo requiere y todo es a lo grande. Pero Gil de Tejada conoce la orquesta y conoce el Teatro, y que en una obra como “Aida” y escuchada desde la segunda fila deje que los cantantes se escuchen y no se vean sobrepasados por el volumen de la orquesta es un hito importantísimo.

Sus “tempi” fueron ligeros y para mi perfectos, sin caer en el error de ralentizar. “Aida” es lo suficientemente larga y Gil de Tejada lo suficientemente inteligente para arrastrar esa gran ópera como si fuera una pluma y no un gran bloque de piedra.

Estuvo atento y comprometido con la orquesta y coro -dicho sea de paso que a pesar de cantar con mascarilla estuvo a la altura- y fue cómplice con cada uno de los cantantes, respirando con ellos en cada momento.

Los protagonistas

ALEJANDRO ROY fue el encargado de dar vida a Radamés. Es una voz más que suficiente para cantar este comprometido role verdiano cuyo inicio en la partitura es de auténtico suicidio, ni más ni menos que un “Celeste Aida” y en frío, es como para salir por patas.

Roy tiene una voz corpórea y espesa, amplia, no especialmente bonita pero que resulta, con mucho metal y con mucho volumen, cosa que para el personaje le viene bien sobre todo en las escenas corales y en los dos concertantes del segundo acto. Sin duda fue un Radamés loable y a la altura de la producción, pero, le eché en falta momentos más sutiles, cambios de estilo en su ejecución sobre todo en el “Celeste Aida” que está bien que lo empiece afrontando como un aguerrido soldado y con la rudeza del que ha luchado en mil batallas en el campo, pero, cuando habla de Aida su canto tiene que ser dulce, más íntimo evocando a la mujer que ama. Lo mismo sucedió en la última escena del cuarto acto.

En esta ocasión MAITE ALBEROLA fue quien se puso en el papel de Aida, la esclava etíope que está al servicio de la hija del Faraón.

Al igual que Roy, tiene volumen y voz para cantar Aida, sin lugar a dudas, pero le falta un poco de dulzura, a mi gusto, en algún pasaje. Claro ejemplo en el “Numi pietà” o en el dueto final con Radamès, “O terra addio” y lógicamente en su “La tra foreste vergine” su gran escena de seducción a Radamès para obtener el secreto que tan celosamente éste debe guardar.

Tuvo gran notoriedad en las escenas concertantes y la seguridad que imprime al role, en una cantante tan joven como Maite, es para quitarse el sombrero.

Amneris es para mí el bombón de la ópera. Siempre lo he dicho y nunca me voy a cansar de repetirlo. Es un personaje que evoluciona a lo largo de la ópera. Ama, traiciona, suplica y se arrastra como un gusano por el amor de Radamès sin importarle casta ni dinastía. Es tan grande su pasión que la lleva a la demencia extrema en el último acto, su gran, grandísima escena. A LAURA VILA le tocó ayer este cometido, humanizar a este gran personaje para llevarlo a la locura, y todo por amor.

Fue para mí, la gran triunfadora de la noche. Si bien empezó un poco floja en el primer acto, en el que se vio un tanto abrumada por las voces potentes de Roy y Alberola en el terceto del primer acto y con un “Ritorna vincitor” que necesita a mi gusto, un poco más de potencia o cuerpo. Su voz es más que suficiente para un personaje como el de Amneris, pero estamos ante una obra en que la ola de sonido orquestal es muy, muy grande.

Sin embargo, fue a partir del segundo acto en su dueto con Aida en el que Laura Vila les ganó el pulso. Su voz iba del agudo al central-grave, con las inflexiones propias en la voz que solo pueden hacer las mezzos cuando cantan y que tan anillo al dedo van como complemento para expresar sentimiento de rabia, de venganza y de desesperación. Brava Laura.

Pero aún no había acabado, faltaba la escena final del segundo concertante del segundo acto, y allí a pleno rendimiento junto con las voces de Roy, Alberola, Daza, coro y orquesta todos a tuti plen, Laura Vila se hizo escuchar de forma notable. Algún día le preguntaré, cuando todo esto del Covid pase y se pueda volver a las salidas de artistas, cómo lo hizo!!! Sorprendente.

Como abrumadora fue su escena última en el cuarto acto. Una Amneris demente que no cae en el manido recurso de demostrar a Radamés, ni tan siquiera en este momento, la desquicia que le corroe por dentro. Y eso denota el carácter y origen noble del personaje. Es la hija del Faraón, y si, suplica, llora, y se arrodilla hasta perder la dignidad, pero, aún así conserva ese espíritu triunfador hasta el momento en que los sacerdotes decretan “Traditor”.

De gran efecto fue su final “Empia raza, anatema su voi”, que le hizo merecedora de los “brava” más sentidos que se escucharon durante toda la tarde.

Del cuarteto protagonista queda tan solo hablar del Amonasro de CARLES DAZA, que debutaba este role y además, lo hacía en casa. Es un papel corto y con poco lucimiento vocal. No tiene grandes momentos, pero, se nota en su voz como la evolución del tiempo ha jugado en su favor. Una voz baritonal de timbre bello y generoso que además cuenta con una de sus mejores bazas, ese fraseo nítido y noble que no le ha abandonado a lo largo de todo este tiempo. Lástima que el role sea corto y poco lucido para una voz como la suya que merece más minutos. A ver si podemos disfrutarle próximamente de nuevo… quizás con este “Rigoletto” que se anuncia en el programa de mano. Ojalá. Dicen que soñar es gratis. Pues, vamos a soñar y a cruzar los dedos. Después de su Fígaro en el Barbiere ya hace unos años, sería para Carles Daza, su segunda y gran confirmación en Sabadell.

Del resto del elenco, destacar la primera intervención del Ramfis de JEROBOAM TEJERA que fue de gran efecto en su breve escena con Radamés. Una correcta EUGENIA MONTENEGRO en el papel de Sacerdotessa y un más que suficiente Re de ALEJANDRO BALIÑAS.

En conjunto una muy buena apuesta en estos tiempos que vivimos ejecutada con seriedad y la profesionalidad que son ya marca de la casa en Sabadell.

Ópera en tiempos de pandemia

Quiero hacer una reflexión y quiero ser muy clara para no levantar ampollas ni que haya lugar a tergiversaciones en lo que digo.

No hay mal que por bien no venga. Dicho esto, y directo a la vena, más de uno se me podría tirar a la yugular. Y lo entiendo. Por eso decía que quiero ser muy clara en este aspecto en el sentido de que, de las situaciones desfavorables, siempre hay algo de lo que se puede aprender. Y ayer me pareció que asistimos a una de estas mejoras en la gestión de los teatros y que debería perdurar más allá de la era Covid. Me refiero a las entradas escalonadas, a la puntualidad del horario fijado y al orden de la salida sin el típico tapón humano en el vestíbulo.

Bien es cierto que había la mitad del aforamiento. Si, cierto, pero, si en época Covid se abren las puertas ¾ de hora antes para garantizar distancias y seguridad, ¿por qué no mantener esto cuando se vuelva a la normalidad?

Si en épocas de Covid -reitero- somos capaces de empezar la ópera a las 18h y garantizar que todo el mundo esté en casa cuando empiece el toque de queda, ¿por qué no mantener esto cuando se vuelva a la normalidad? Que la falta de puntualidad es fatal en nuestro país.

E insisto de nuevo, si somos capaces de seguir directivas de evacuación de un teatro de manera ordenada, sin pisarnos los unos a los otros, y cruzar los vestíbulos en 10 segundos, ¿por qué no mantener esto cuando se vuelva a la normalidad?

Creo que de la experiencia de ayer los teatros y el público deben tomar buena nota de ello. Reflexionar y cambiar hábitos. Si lo podemos hacer porque así nos lo exigen, ¿por qué no seguir haciéndolo luego por el bien de todos? Si volvemos a lo anterior, entonces es que no habremos aprendido nada de nada durante todo este tiempo, y como se suele decir, vamos a tropezar de nuevo en la misma piedra cayendo en los mismos errores.

¿Qué cómo es ir a la ópera en tiempos de pandemia y con mascarilla? Pues, excepto por lo contado anteriormente, la fórmula no cambia, es lo mismo y se puede disfrutar igual, aunque en mi caso, no pude cantar la “Aida” con ellos porque con la mascarilla se me empañaban las gafas y tuve que desisitir en mi intento de sentirme Ameris, Radamès, o Aida.

Por lo demás, id a los teatros, es seguro si se hacen las cosas bien hechas. No dejemos que muera la cultura, uno de los sectores también muy afectados por el Covid, y, demos gracias a estos valientes que se suben a un escenario a cantar sin mascarilla para ofrecernos su arte, para hacernos disfrutar y para distraernos un buen rato de todo lo que hay allí a fuera. Por todo esto y por todo lo que me hicieron disfrutar, muchas gracias a todos.

Plácido Domingo cumple 80 años 20 Jan 2021 8:00 PM (4 years ago)

Plácido Domingo tenía 49 años cuando salió a cantar bajo el manto de estrellas del cielo romano y ante el tímido estío que empezaba a apuntar ya maneras en la capital italiana. Pisaba fuerte el escenario, con seguridad, desafiando con su voz a un público heredero de batallas ganadas y de territorios conquistados, de disciplina y de orden. De un público cuyos antepasados se habían hecho amos y señores del mundo entero a base de ejércitos, corrupción, poder, estrategias, oro y comercio. Roma sin duda nos ha dejado un legado poderoso en política, en Derecho, en arte, en escultura, en arquitectura, en literatura y en religión. Y de nuevo, Roma, la ciudad eterna, nos dejó en 1990 el más grande regalo que haría girar por completo al mundo de la ópera y a sus aficionados habidos y por haber.

Aquella noche, en su primera aparición, Plácido emitió las primeras notas del “Oh Paradis” de “L´Africaine” de Meyerbeer, y las Termas Romanas de Caralla vibraron con la onda expansiva de su voz, lo suficientemente poderosa como para derrumbar el recinto, una voz en plenitud cual río con el caudal desbordado y que, finalmente llega al mar en calma.

Aunque ya hacía décadas que Plácido Domingo se había hecho un nombre en el mundo de la ópera fui consciente de él por primera vez en ese concierto que marcó el pistoletazo de salida de mi afición a la ópera. Sin embargo, su nombre, el nombre de Plácido Domingo no me era desconocido en absoluto. Mi primer contacto inconsciente con él fue ni más ni menos que a los dos años, y quién había de decirme a esa tierna edad que ese nombre, ese artista, esa voz sería la que me acompañaría de por vida y la que estaría a mi lado en los momentos más felices, pero también en aquellos más tristes.

Plácido Domingo entró a formar parte de mi vida de lleno.

49 años tenía en aquel momento y el paso del tiempo, el peor de los enemigos entre los humanos y contra el cuál se lucha, pero al que nunca se le ganan disputas, hace que hoy estemos aquí celebrando los 80 años del Maestro. Los 80 años de la mejor y más bella voz de tenor que ha dado la historia de la ópera.

Plácido Domingo ha cantado, y ha cantado mucho. Ha cantado de todo, desde una ranchera hasta Wagner, flirteando entre medio con boleros y canciones latinoamericanas. Se ha enamorado del crossover y también de los tangos, y ha frecuentado la zarzuela, la opereta y el musical y, todo ello sin desatender su compromiso con la ópera.

Sin duda alguna estamos delante de un titán, de una fuerza sobrehumana de la naturaleza que ha resistido en el mundo de la ópera durante más de 50 años, algo realmente prodigioso e increíble y tan infrecuente en el mundo de la música. Ha sobrellevado críticas, vendavales, terremotos y tsunamis. Ha recogido las mieles del éxito y ha probado la hiel de las críticas, pero, si de algo puede regocijarse el gran Plácido Domingo es de tener un público fiel que le adora, que le admira, que le apoya, y que sobre todo le respeta y le quiere de manera incondicional y sin reservas.

Se ha dicho que quizás haya hecho un pacto con el diablo. Puede…No lo sé. Pero lo cierto es que me inclino más a pensar que de artistas como Plácido Domingo no hay y que simplemente no hay porque como dijo en su momento Birgit Nilsson, otra grande entre las grandes, “Dios tuvo un día inspirado cuando creó a Plácido Domingo”. Y aquí, añado de mi propia cosecha, que ese día, el 21 de enero de 1941, se rompió el molde. No habría nunca otro igual. Y los años, nos dan a ambas la razón.

Hoy celebramos sus 80 años. El mundo de la ópera celebra en pleno los 80 años de Plácido Domingo. Nada más y nada menos que 80.

Pronto se dicen… 80 y en activo, porque las ganas y la ilusión de Domingo continúan estando allí y mientras estén, y la salud le respete, nosotros sus admiradores continuaremos gozando de su arte, de su saber cantar, de su bella voz, y esto – permitidme- no se paga ni con todo el dinero del mundo.

Si nos damos un paseo por su agenda, atención, tiene programadas actuaciones hasta 2022, pero antes se dejará ver, si las condiciones sanitarias lo permiten, en Viena, en Rusia, en París, en Alemania, en Italia, en Suiza….y no continuo porque el viaje es vertiginoso. Pero añado también que en España le echamos de menos. Y sobre todo, en Barcelona le echamos aún mucho más de menos.

Volviendo a su calendario, me pregunto que, a su edad, quién si no Plácido Domingo podría realizar tal hazaña… La repuesta es tan sencilla como decir que nadie. Algo así solo está al alcance de sus manos porque no es un simple tenor, no es un simple artista, simplemente es Plácido Domingo, el más grande entre los grandes sin lugar a dudas.

Amado por muchos y discutido por otros, lo que no se puede negar es que el nombre de Plácido Domingo va a perdurar a lo largo de los años y de la historia, por los siglos de los siglos, porque el legado que nos deja lo hacen imperecedero y lo hará siempre actual. Su nombre no se reducirá nunca a polvo porque se ha cimentado con esfuerzo, con trabajo, con talento y con inteligencia, al igual que los imponentes monumentos romanos o, anteriormente a ellos las colosales pirámides egipcias que aún siguen en pie. Lo grande, lo bien construido siempre dura. Y lo bueno, también.

Muchas serán las felicitaciones que reciba en el día de hoy, a todas ellas, uno la mía. Felices 80, Maestro! O como le gustaría más a Plácido, felices 4 veces 20.

Mis primeros veinticinco años 11 Dec 2020 10:30 PM (4 years ago)

Hoy, 12 de diciembre de 2020, es el día en que giro la cabeza hacia atrás y recuerdo con cariño aquellos tiempos en los que estaba en plena adolescencia y sumergiéndome vorazmente al mundo de la ópera. Hoy, día 12 de diciembre de 2020, hace exactamente 25 años, veía por primera vez en directo a este gran artista y cantante que responde al nombre de PLÁCIDO DOMINGO.

¿Quién podía imaginar tan solo la mañana anterior, que ese día acabaría de la forma en que acabó? Nadie, absolutamente nadie. Y soy consciente de que muy probablemente, si el 31 de enero de 1994 no se hubiera quemado el Liceu – gran tragedia para los aficionados a la ópera -  no habría tenido la oportunidad, hasta muchos años después, de poderle ver por primera vez en un escenario.

Sigo pensando que mi encuentro con el gran Maestro fue único, mágico. El cómo llegué hasta allí fue arduo y farragoso, pero no importa, porque llegué y en una época en que los recursos eran escasos y precarios.

Aquel 12 de diciembre de 1995 fue una noche inolvidable para mi familia – que me dio apoyo en todo momento- y sobre todo para mí.  Estaba hecha un manojo de nervios y acabé viviendo un puñado de emociones a la misma altura que la del artista que tenía delante mío. Ver por primera vez a Plácido Domingo y como aquel dice, jugando en casa, te marca para toda la vida.

25 años después, muy probablemente el Maestro con todo lo que tiene en la cabeza no recuerde aquel nuestro primer encuentro, pero para mí aquel día continúa estando intacto en mi memoria.

Gracias Maestro, por su voz, por su amabilidad, por permitir que pudiera acercarme a Vd. de la forma más cordial, sencilla y sincera. Gracias por estar allí y gracias por seguir permitiéndonos que disfrutemos todavía de su voz, de su arte, de su carisma de su entrega y de su emoción e ilusión. Hoy, en este día, como siempre, solo tengo palabras de elogio para Vd. y le agradezco de nuevo su gesto conmigo.

Hoy -y permítame Maestro que me tome la siguiente licencia verbal-, hoy, celebramos nuestros primeros 25 años de directo. Gracias por hacerlo posible.

“Le Chanteur”: Canciones francesas, melodías del mundo 1 Nov 2020 8:56 AM (4 years ago)

Lo primero que me viene a la mente cuando escucho un nuevo cd del gran ROBERTO ALAGNA es lo bonita que es su voz, en lo bien que suena y sobre todo que, a lo largo de más de 30 años de carrera, lo sana que se conserva. Todos los harmónicos de esta bella voz mediterránea están ahí, intactos, resistiendo con elegancia el paso inexorable del tiempo. Una voz que te lleva a soñar y a disfrutar. Sin duda alguna, la mejor y más bella voz de tenor actual posterior a la generación de los tres tenores.

Grabado en pleno confinamiento, en este nuevo disco “Le Chanteur” Roberto Alagna nos propone un alentador viaje dentro y fuera de Francia a través de melodías populares francesas rellenas de letras impactantes, potentes, sufridas y en ocasiones también azucaradas. Sin lugar a dudas, con este “Le Chanteur” invita al oyente a desplegar su imaginación, su posibilidad de crear imágenes y lugares, y con ambas a trasladarse desde los barrios de Montmatre y el patetismo de los años 20-30 hasta la Argentina de Carlos Gardel para regresar, al final, a ese París de Alagna que ha sido fuente de inspiración de tantas canciones, de tantas películas y de tantas óperas.

Si hay algo que tiene la música popular francesa, es que, con tan solo los primeros acordes, eres capaz de reconocer París, de sentir como surcas el Sena y cómo son los paseos por sus grandes boulevares e inclusive, de oler el ambiente de los antros de bajo fondo de Montmatre.

Y es que para mí, el viaje empieza precisamente allí, en Montmartre con la canción que da título al disco. Esto es, con “Le Chanteur”. Ya con las primeras notas quedas mentalmente situado y, se adivina tras su discurso que es el cantante-actor, Roberto Alagna, quien personalmente nos invita a cada uno de nosotros a ese recital explosivo de sentimientos y recreación de lugares que escucharemos a posteriori.

Cuál Tonio en Pagliacci en su prólogo, veo a Roberto convertido en Canio, y, enharinando su cara deja entrever al cantante, aquél que reirá y que llorará a lo largo del cd, ya nos lo dice. Con estas bien colocadas y encontradas palabras – que serán fundamentales en este recorrido- Alagna comienza su recital en París y lo culminará también en la ciudad de la luz después de haber dado la vuelta al mundo, igual que cualquier cantante-actor. “Venid esta noche a ver al cantante, el cantante que os hace ver a aquél que ríe a aquel que llora”.

Escuchad con qué elegante fraseo, con que dominio de las palabras, de los silencios y del buen gusto, Roberto Alagna nos deja en esta primera canción. Soberbio. Magistral. Y eso, solo es el principio.

Empieza la función

Sin movernos de Montmartre.

Cualquier local, una noche como tantas otras de las noches que se viven en ese barrio. Finales años 20, principios de los treinta, quizás. Humo y aire sofocante dentro, y frío invernal fuera. El ambiente está muy cargado y las copas de alcohol servidas en vasos raídos por el tiempo y el uso han dejado ruedo en las pegajosas mesas de madera. Llega la locura y la obcecación con ese “Padam, Padam”. Me alegro de no entender el francés al 100%, porque ello me permite dar rienda suelta a mi imaginación y a la creación de imágenes en la mente a partir de una música que es lo suficientemente descriptiva. “Padam, padam, padam…” una y otra vez, como alguien que da vueltas de forma descontrolada después de haberse pasado un tanto por las copas. “Padam, padam, padam” y cada vez más fuerte e intenso. Y cada vez más subido de tono. La música que acompaña ambienta la canción y los personajes. Ojos excesivamente maquillados y labios rojos hasta la exageración. El ambiente de un cabaret barato, de los bajos barrios. El cabaret patetizado y agobiante de Liza Minelli.

Pero seguidamente, Roberto abandona por un momento Montmartre y, sin dejar aún de lado París nos propone conocer una cara más amable de la ciudad.

Un domingo en París. Los domingos en París los imagino tristes y más en tiempo de pandemia. Junto con el otoño – estación a la que siempre he asociado esta ciudad-, el cielo gris y los nubarrones amenazadores de tormenta vacían las calles, unas vías en las cuales solo cobran vida las alfombras de hojas muertas que caen sin piedad sobre el cemento urbano.

“Les feilles mortes”. Así es como imaginas a Roberto, solo, caminando por alguno de sus amplios boulevares. A ambos lados, hileras de árboles que se van deshojando. El ambiente, húmedo. Triste y melancólico. La soledad del cantante y la tristeza del amante aunadas en esta canción le permite un canto relajado y suave en ese París tan suyo, y que gracias a su voz, ahora tan nuestro.

Pero Roberto no se conforma con esto. Si al principio hueles los atolondrados y malolientes años 20, luego, desciende de Montmatre hasta el centro de París, con su “J´attendrai”. Ves unas calles en las que empiezan a titilar las primeras luces del amanecer y el aire que respira, mucho más limpio, deja atrás la cargada noche que muere.

Aquí imaginas al actor-cantante en una época muy posterior. Años 50, una sala elegante. El vestuario caro y el ambiente lujoso de una sala de fiestas de postín. Un cóctel que combina a la perfección con la línea canora de Roberto. Y aquí deja entrever de nuevo que su fraseo no es bueno por casualidad, al igual que su gusto innato por la belleza. Y eso, se tiene o no se tiene. Y Roberto, lo tiene. Y muy agudizado, además.

“J´attendrai” empieza haciendo un guiño al coro de “bocca chiusa” de la “Madame Butterfly” de Puccini y en la que Roberto está absolutamente fantástico. Y allí es donde sale una vez más lo que yo llamo “tener la sonrisa en la voz”. Alagna la tiene, y te das cuenta de ello por su manera de cantar. No hace falta que le veas para saber cómo el cantante interpreta al personaje, como el cantante hace de actor. Su voz nos lo dice.

Y habiéndonos mostrado diversas caras de París, Roberto, ahora sí, hace sus maletas y abandona su Francia para irse a otro país.

Tengo que reconocer que cuando escuché la canción “Adieu mon pays”- la pieza más exótica del disco- el primer país que me vino en mente fue Afganistán. El estilo de música árabe-musulmana que me sugiere me hace ver a un Roberto en medio de un desierto bien protegido del abrasador beso del sol, lamentando haber dejado toda su vida en otro lugar y, a su hija, en otro país que le puede dar una oportunidad mejor de vida. Los ecos de su hija pequeña MALÈNA, en esta primera colaboración con su padre, nos llevan al desgarro y al dolor de un padre que está lejos de ella. Aunque tiene sentido, para mí, es la canción que me descuadra de este disco en una primera escucha, pero que luego, me he dado cuenta de que es una pieza clave para entender la idea de “Le Chanteur”.

Necesito una brújula

Una de las características que me llaman más la atención de este trabajo es que las piezas se van ejecutando sin solución de continuidad y ya desde la primera de las canciones. Seguramente esté hecho a posta para que el oyente entre dentro de la función que Canio, el actor-cantante, el que ríe, el que llora, nos invita a disfrutar.

Me gusta, pero a la vez me provoca un poco de caos. Hasta ahora el recorrido ha estado muy bien marcado, por estilos, por ambientes, y por fraseo.

Abandonamos Afganistán y maleta en mano Roberto aterriza en un barrio cualquiera de Argentina.

En “Un jour je te dirai” es indiscutible el estilo del tango porteño, y una vez más, Roberto Alagna despliega toda la belleza de su voz, y con el toque justo de tristeza y del desgarro del tango, hace de esta pieza una interpretación magistral, aprovechando todos sus recursos expresivos y el gran uso y el partido que saca a aquellos silencios de los que una vez la gran Teresa Berganza dijo que “también eran música”. Y cuánta razón tenía.

Seguidamente, del tango Argentino, Roberto sigue trazando su ruta con la canción “Mayari” que canta a dúo con su hija mayor ORNELLA. “Mayari” es para mí uno de los bombones del disco y situada estratégicamente justo a la mitad del recital. Recordemos que de Afganistán viajamos, más o menos, en línea recta a Argentina, y desde Argentina, Alagna de nuevo en línea recta nos traslada a Cuba. Al menos es lo que me sugiere cuando escucho los primeros compases de esta canción. Puedo reconocer claramente el estilo de Lecuona, pero me generó duda en uno de los momentos de la canción en los que unas simples palabras pusieron en jaque mi noción del tiempo y del espacio. ¿Era Cuba o era África? Los balbuceos de Ornella simulando la esclava Mayari, ininteligibles para mí me hicieron dudar. ¿Cómo podía ser que desde Argentina reculara a África? No tenía sentido ir de nuevo sobre los pasos ya dados.

Pero no, cuatro vocablos en español de Roberto Alagna simulando el estilo y acento cubano me reafirmaron que no había errado a la hora de adivinar en qué país estábamos.

Decía que en esta ocasión es su hija Ornella la que le da la réplica a su padre. Una voz afinada y muy bien entonada, que junto a la de su padre luce de forma extraordinaria y sin duda la hija, ha heredado de su progenitor el gusto y el fraseo claro. Ya lo dicen, ¿no?... De tal palo…tal astilla. Fijaros en los adornos que padre e hija se marcan en su “oh, Mayari, esclave…”. Lo dicho un bombón.

Y de Cuba, me da la sensación de que Alagna continua su camino hacia América del Norte pero con algún eco español. El tema del destino de Carmen es el que escuchas cuando sales de Cuba, y su “Bohémienne aux gran yeux noirs” empieza a sonar, quizás con un ritmo de swing. No tengo muy claro el estilo, pero lo que si tengo claro es que en estas 5 palabras está presente de nuevo el estilo de Lecuona apuntando un tanto descaradamente a la canción “Siempre en mi corazón” pero con diferente ritmo, y también, por qué no, un toque al tercer acto de “Los cuentos de Hoffman” con el “Oh mon Antonia” que canta el poeta que da nombre a esa ópera. A estas alturas del viaje se mezclan ya canciones y melodías, óperas y palabras. Un símil al caos de un aeropuerto.

“Nuages”, o lo que es lo mismo en español, “Nubes”, me llevan a la película “Sabrina” a la escena del baile en que Audrey Hepburn hace pareja con William Holden. Una melodía que me recuerda y me sitúa en los años 50 de nuevo. Una música que probablemente, de haber vivido en Francia, quizás la hubieran bailado mis abuelos con toda seguridad.

Pero la plácida fiesta que me sugiere “Nuages” se opone con un toque espectral en la canción “Domino” que canta a dúo, de nuevo con su hija pequeña, MALÈNA y en la que puedes adivinar ya su estilo propio a pesar de su corta edad. La canción y el dúo te hace poner la piel de gallina cuando es la niña quien da la réplica al padre, como si fuera un eco, una voz del más allá que le viene a la mente a su progenitor al recordar primaveras vividas con ella.

Podría estar situada en cualquier lugar, en cualquier país, pero mi mente se traslada a una feria. Una noria dando vueltas tristemente, y los árboles desnudos en otoño. El incipiente frío y un cielo gris ayuda a darle un toque de tristeza, y, mientras la noria gira, el padre evoca el recuerdo de su pequeña Domino. Algodones de azúcar que acaban enganchados en la naricita de Malèna y, el recuerdo de aquellas tardes infantiles con ella y padre e hija de la mano, es lo que aparece en la mente Roberto. Seguramente la letra no hable de nada de eso, pero, de tener que ponerle una imagen a esa canción, sin duda alguna, esta es la que escogería.

Quizás las tres siguientes “Mon pot´le gitan”, “Il pleut sur la route” y “C´est un mauvais garçon” me quedan un tanto más lejanas después de haber quedado bastante tocada al escuchar “Domino”, y no haber tenido aún tiempo de sobreponerme. Sí que adivino el retorno de Roberto a Argentina y después de un batiburrillo musical deja sus maletas en Polonia con la canción divertida y simpática y espumeante “Maniusiu, ach” que canta a dúo con su esposa ALEKSANDRA KURZAK.

Y escuchándola me viene en mente la opereta “El murciélago” o quizás una fiesta de fin de año. El ambiente alegre y jovial de esta canción polaca se cuela en esta penúltima pieza para culminar con “La Chanson des vieux amants”.

Y aquí claramente hemos llegado al final del recorrido exhaustos tras un extenso viaje. Le chanteur, el cantante-actor acaba su función dónde la ha empezado. En París, en el gris París otoñal en el cual se escuchan melodías del bandoneón en las barcazas del río Sena. La bruma matinal sorprende a dos viejos amantes caminando al alba por los puentes de París. Se quieren. Se quieren hasta el fin de sus días.

¿Algo en contra del disco? Solo una cosa y es terminar esta desgarrada canción en italiano porque me mezcla sin piedad la tristeza del gris París con la luminosidad mediterránea de esa Italia, que, dicho de paso, amo tanto.

On est venu, ce soir, voir le chanteur…

Fijaros todos los estilos que nos comparte en este trabajo Roberto Alagna y que permite que un disco enfocado totalmente en francés consiga alejarte de ese París en el que empieza y en el que acaba el recital. Y eso tiene mucho mérito, por los ritmos y estilos, pero también por la recreación que hace Roberto. Por tanto, la sensación que tienes cuando te dispones a escuchar el disco de que va ser algo muy nacional, se rompe con “Adieu mon pays”, y te das cuenta que, aunque disonante en estilo, es del todo imprescindible para entender este trabajo como el viaje del cantante-actor, que ofrece una noche de diversión a los que han decidido irle a ver.

Reitero sus palabras… “On est venu, ce soir, voir le chanteur”… y disfrutad de la extraordinaria voz y del fraseo del grandísimo Roberto Alagna. Un buen regalo en tiempos de confinamiento que, con imaginación, ya que no podemos viajar físicamente, Roberto nos permite hacerlo de pensamiento, y de momento, tanto soñar como pensar, es gratis. Soñad, vivid, viajad con él, y sobre todo, disfrutarlo tanto como lo estoy disfrutando yo.

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